Cine de Terror Desde el Sótano

Críticas: Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, parte 2.

2011-07-18T21:17:00.007+01:00

Por fin he descubierto la verdadera magia de Harry Potter y he tenido que esperar al capítulo final para averiguarlo: los verdaderos magos en esta saga son los guionistas, encargados de condensar en formato película una cantidad de información desbordante pero imprescindible para que puedan casar las piezas de esta macro-telenovela con más cabos sueltos que un velero destartalado.

Porque si de una cosa puede presumir Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, parte 2, es de acumular la mayor cantidad de casualidades, agujeros e incoherencias de toda la serie, y eso es mucho decir.

Y no me habléis de los libros que yo he ido a ver una película. Estoy bastante harto de que con cada adaptación mal hecha me digan que para entenderla bien debería leer la novela. No, he ido al cine. La información necesaria que me la dé la pantalla.

Por cierto, es muy probable que este análisis cabreado introduzca spoilers.

Para empezar, tras esa penosa pseudopelícula que fue la primera parte de ésta, pensé que si me había resultado tan estúpida tenía que ser porque todos esos cabos sueltos se pensaban cerrar en su continuación. Pero no, me equivocaba. La segunda parte es todavía peor y te deja con cara de asombro la mayor parte de su dilatado, ralentizado y previsible metraje.

Casualidades y explicaciones caídas del cielo, las tiene todas.

Como cuando a Harry, evidentemente por arte de magia, se le pone en el entrecejo que uno de los horrocruxes que buscan está en la cámara personal de Bellatrix Lestrange en el banco de los magos. Porque él lo vale. O como cuando, a pesar de que acaban colándose en otra cámara, no se sabe de quién, encuentran de todos modos el dichoso objeto encantado, en una patética escena a mitad de camino entre la cámara de desperdicios de Star Wars y la búsqueda del Santo Grial de Indiana Jones.

O aún peor, y ésta es sonrojante, cuando sin saber qué narices buscan a la colgada de Luna se le ocurre que el siguiente horrocrux se esconde en una diadema que nadie sabía que existía. Así, lo primero que se le ocurre y va y acierta. Menos mal que no pensó primero en un plato de lentejas, por decir algo, porque allí iban a ir todos de cabeza.

Pero eso no es todo, sobran ejemplos, como el subidón de testosterona de Ron y la intrascendencia de Herminone, en un giro incomprensible que sodomiza la coherencia de la saga. Es que además, para no faltar a la tónica inevitable de estas películas, siguen apareciendo personajes determinantes hasta de debajo de las piedras, pero aún es peor cuando se cargan a otros mucho más importantes sin pensárselo dos veces.

Toda la película languidece entre escenas trepidantes, las menos, otras donde la información es inabarcable, abusando del flashback como si no hubiera mañana, y entre larguísimos pasajes de supuesta profundidad emocional y reflexiva en los que no nos cuentan absolutamente nada. Y todo para decaer en un indecente clímax final, sosísimo cierre a una de las sagas más importantes del cine, rodado con menos pulso narrativo que el video casero de un funeral.

En definitiva, nada han aportado ninguna de las dos partes de este epílogo de Harry Potter al resto de la serie, pero esto en el caso de esta última película es sangrante, cuando ni siquiera las famosas reliquias del título tienen ningún sentido. Porque para nada sirven las puñeteras reliquias de la muerte -se supone que quien las posea se convertirá en el mago más poderoso y señor de la muerte, ahí es nada-, ni ninguno de ellos, héroe o villano, se preocupa por reunirlas ni utilizarlas para nada.

La espada tiene la misma función que un diente de basilisco, la capa lleva utilizándola desde ni se sabe cuándo, y lo de la piedra de resurrección es de vergüenza ajena. Ninguna de ellas tiene la más mínima repercusión en la trama.

De verdad, estoy seguro que Harry Potter merecía un final mejor trabajado y con menos lagunas argumentales. Como escritor he sentido vergüenza, y estoy aún más convencido de que el tiempo, una vez pase la fiebre inicial, pondrá este descalabro narrativo en su sitio.

Críticas: RED

2011-05-28T11:04:00.008+01:00

Hacía siglos que una película de acción divertida no me parecía de tan buena acción y tan divertida. El desparrame comiquero de Bruce Willis y compañía en RED realmente me ha sorprendido porque sin tener ni pajolera idea del cómic en que se basa me transportado durante un rato a esa pantomima de espías retirados, conspiraciones imposibles y acción milimetrada.

La primera palabra que viene a la mente al recordar RED es repartazo. Junto al gran Bruce se lo pasan bomba Mary-Louise Parker, Helen Mirren, Karl Urban o Morgan Freeman, pero sobretodo John Malkovich, en un papel descerebrado como pocos.

RED mola.

Frank Morris es un agente retirado, un espía implacable y un infalible aniquilador de objetivos que en un planteamieto muy similar al de Mentiras Arriesgadas intenta mantener una vida normal en un mundo al que no está acostumbrado. Sus relaciones sociales se limitan a contacto telefónico con su banco y todos sus esfuerzos se concentran en conservar su anonimato y esconder su verdadera identidad.

Pero claro, con eso no habría película, la gracia de RED empieza cuando la casa de Frank es atacada y debe comenzar una huída que primero le mantenga con vida y después le ayude a averiguar quién y por qué quiere darle el pasaporte.

Para ello se rodeará de antiguos compañeros, a cuál más pasado de todo, y con un despliegue surrealista de canas, arrugas y sobretodo facultades sobrehumanas para afinar el tiro y planear locuras, la pandilla de abueletes retirados -eso significa RED, algo así como el cajón de sastre de los espías jubilados- se abrirá paso entre la maraña de secretos confidenciales que pretende limpiar los restos de una operación militar pasada.

En conjunto RED es una gilipollez como un castillo, un cine palomitero y amable que apenas sirve para pasar el rato. Pero cuántas veces no nos quieren colar propuestas similares y nos aburren como cochinos. Pues lo dicho, con su simpleza y su buen rollo, RED mola.

Críticas: El Rito.

2011-05-28T09:58:00.006+01:00

No tengo muy buenas experiencias con el Anthony Hopkins post-El Silencio de los Corderos. A excepción de su exagerado Van Helsing en Drácula y poco más no termina de gustarme ni siquiera en sus otras apariciones como Hannibal Lecter. Por eso antes de ver El Rito sólo esperaba no volver a decepcionarme.

Esa era mi expectativa, que Anthony Hopkins me encajase, y bueno, la verdad es que dentro de una peli regulera nos este gran actor el que da la mala nota. La baja impresión viene a cuenta de un guión que flojea y de una puesta escena demasiado fría y convencional para lo que quiere contarnos.

Porque la premisa de El Rito no está nada mal, y presenta un comienzo interesante apoyado principalmente en el buen hacer del joven actor que interpreta al descreído y traumatizado sacerdote. Colin O'Donoghue interpreta a ese chaval impulsado al sacerdocio pero que para nada cree en él.

A este muchacho le encargan el paquete de estudiar para exorcista, ahí es nada, y en su año de Erasmus en Roma le toca conocer al Padre Lucas Trevant, Anthony Hopkins, que este sí que es un pro de lo de sacar espíritus de los cuerpos.

El Rito es una película correcta que cumple lo que se espera de ella, inquieta, absorve y asusta por momentos, sin embargo se recrea en un último tercio fantasioso y demasiado entregado al espectáculo en el que toda la medida y lograda sobriedad anterior -que era lo que le daba entidad y distinción hasta entonces, separando a El Rito de otros subproductos de exorcistas y posesiones-, se diluye hasta el ridículo y la parodia dejando al espectador fuera de una historia que se prometía buena y termina en una más.

Críticas: Martyrs (Mártires)

2011-04-17T09:21:00.000+01:00

He terminado de ver Martyrs con una sensación horrible en el estómago. No sólo por las tremendas escenas que salpican -nunca mejor dicho- la última parte del film, no quiero que quede esa impresión al leer esta crítica, sino por la crudeza de una película muy bien elaborada para causar ese efecto.

Porque reducir Martyrs, su éxito, su talento, a la recreación de escenas violentas sería compararla con subproductos del peor gore explícito que ni siquiera le hacen sombra, ya que lo que nos presenta esta película es mucho más que un festival violento, es una historia tan dura como sólida y creíble, un trhiller de una tremenda complejidad que sabe utilizar todos sus recursos para llevarnos de la mano a lo largo de este camino infernal.

Martyrs son al menos dos películas en una, dos tramas entrelazadas que casi se superponen de manera que no se note su mezcla de géneros, de tono y de enfoque. Lo podemos resumir en la historia principal de una muchacha que huye de un tormentoso cautiverio y es recogida en un hospital psiquiátrico y que años después encontrará la manera de vengarse de sus captores.

De esta manera se plantean en los primeros veinte minutos las dos películas, las dos tramas. Una: ojo, alguien está secuestrando mujeres para hacer cosas horribles con ellas. Dos: una de las supervivientes se va a vengar con muy mala leche.

El primer tercio de Martyrs es un crudísimo retrato psicológico de una niña torturada, el segundo es un delirio de violencia y tensión y para rematarlo ambas tramas confluyen en un tercer acto aterrador, insoportable, ilógico.

Cuentan que la gente salía del cine a vomitar y que las ambulancias hacían cola donde se proyectaban. Yo no me lo creo, porque ni de lejos es lo más fuerte que se puede ver en una pantalla. El éxito de esta película no está en un puñado de fotogramas impresionantes sino en la manera de contarlo, de actuarlo, de ponerle música y ritmo, eso es lo que nos revuelve las tripas.

Desde luego cuando anoche la terminé creí que me daba algo. No por lo que había visto, sino por lo que me habían hecho pensar. Y aunque muchos os acordaréis de mí cuando un nudo de horror y repulsa os ahogue, yo recomiendo ver Martyrs.

127 horas. Gracias James Franco.

2011-04-05T20:22:00.002+01:00

Siempre admiro, por mala o regular que sea la película, cuando un actor o actriz comete una locura y se atreve a sostenerla por sí sólo. Me impresionó Ryan Reynolds en Buried, desde luego, pero lo hemos visto otras veces. Algo muy similar pero con un personaje con muchos más matices es lo que afronta James Franco en 127 horas.

No lo hace mal este chaval, ha demostrado su calidad de sobra en telefilms y en películas donde ha sabido lucirse, sin embargo, pienso yo, hay que tener un par de narices para arriesgarse sin red en una película tan física, tan intensa y tan emocional como 127 horas. A mi desde luego me ha gustado.

Con una fotografía espectacular -y que junto con la actuación de James Franco sustenta todo el tinglado- 127 horas cuenta una historia real mucho más dura que la propia película. La tragedia de un experimentado escalador y senderista que por accidente queda atrapado y sólo en uno de esos abismales cañones del desierto de Utah. El título hace referencia al tiempo que el chaval tuvo que pasar sin apenas agua ni comida hasta conseguir liberarse, 127 horas que le servirán no sólo como experiencia vital sino como un cierto renacer.

Me deja dudas James Franco en 127 horas. Me deja dudas porque la película es de esas que te hace reflexionar sobre cómo afrontarías tú una situación parecida, y de verdad, por momentos la calma y el buen rollo del muchacho me parecen irreales. Sin embargo su evolución, su vuelta de tuerca desde ese payasete optimista del principio hasta... Es impresionante. Y conmueve.

Sin embargo en eso redunda el éxito de una peli a priori tan limitada argumentalmente como 127 horas. Danny Boyle nos presenta un peliculón que arranca de forma animosa, casi divertida, desenfadada, que de repente se raja en un punto de ruptura brutal, en un puñetazo cruel al estómago del expectador. Durante un rato parece no saber avanzar, o no tener con qué, pero después nos regala un desenlace, veinte minutos finales, tremendamente emocionantes.

Película de superación, típica tragedia del héroe en desgracia... sí. Pero hay que rodarla así y actuarla así. A mi me ha encantado y la terminé con el corazón en un puño.

Críticas: The Town, ciudad de ladrones.

2011-03-21T17:44:00.001Z

Me gusta cómo dirige Ben Affleck. Me gusta que siendo un tío famoso, que podría vivir de su físico, de su aspecto, y convertirse en un héroe de acción, en un cruel ejecutivo o en un romanticón conquistador -no pongo nombres a cada uno de sus colegas de generación-, este pavo se arriesga a ponerse tras la cámara y, por ejemplo, regalarle a su hermano Adiós, pequeña, adiós, o como en este caso atreverse a defender delante de ella también un thriller policiaco como The Town.

Pues me parece que llevando los mandos Ben Affleck es un cacho más hábil y solvente que cuando actúa. Ben sabe dirigir y eso se nota en The Town. Buena elección.

Según nos cuenta el inicio de The Town existe un barrio en la ciudad de Boston, Charlestown, con el dudoso honor de ser el criadero más productivo de asaltantes, cuatreros y ladrones de bancos. Uno de ellos, Doug, está más harto que el resto de esa vida y empieza a plantearse abandonarlo cuando se enamora de la directora de sucursal que acaba de secuestrar. Cosas del amor.

Ben Affleck no es Michael Mann, ni Martin Scorsese ni tampoco Clint Eastwood, pero le echa valor y oficio. Se propone ralizar un producto sólido, sin artificios, sin trucos espectaculares de nueva estrella ni con ademanes divos de flipado de la tecnología. Su opera prima lo era y The Town lo es, un ejercicio sobrio de cine negro, de drama a pie de calle con buenos personajes, buenas línes y una cámara firme.

Le queda mucho que aprender, por supuesto, pero precisamente destaca que se nota cómo lo asume, lo acepta, y sirve con humildad el mejor Heat o Uno de los nuestros que es capaz de hacer ahora mismo, con sus fallos y virtudes, con lo que sabe.

The Town, inevitablemente, descansa en su director y actor principal, y de he de decir que en las dos facetas el chico cumple. Sólo espero y deseo que mantenga esa progresión y dé la razón a los que confiamos en él en ambos casos.

Resident Evil: Ultratumba.

2011-03-16T17:16:00.001Z

Pocos jugones de mi generación, más puretilla de lo que parecemos, habremos olvidado la revolución que supuso para el videojuego la irrupción de Resident Evil. Un paso más para Alone in the Dark, mejores historias y ambientación que en los típicos mata-mata de mitad de los noventa. Resident Evil venía a inaugurar un género, el del Survival Horror, que hoy en día es algo así como fundamental para sostener la industria consolera.

Bien, por calidad y repercusión, entonces, Resident Evil pedía a gritos una película. Pedía su salto al cine pero me temo que en ningún momento precisaba la creación de una saga, de una cadena de despropósitos cinematográficos que culmina con esta imposible Resident Evil: Ultratumba.

Cuando el octavo día Dios inventó el 3D, no debió imaginar que aupándose a la moda ibamos a tener que sufrir el resurgir de sagas más que acabadas. ¿Qué número de Resident Evil hace el Ultratumba? ¿Puede ser el cuarto? Me da pereza buscarlo.

En cada uno de los episodios los responsables de trasladar el videojuego a la pantalla han buscado con mayor o menor ahínco las referencias a su mítico título, siendo la primera la que, mal que bien, menos se cagaba en su santo padre. La segunda siguió la estela con la introducción de algunos personajes reconocibles mientras que la tercera se lo pasó todo por el forro a la vez que desquiciaba el personaje principal de Alice (Milla Jovovich).

En esta cuarta nos dejan intuir más o menos el poder del famoso virus para que nos creamos la aparición de monstruos directísimamente sacados de la consola y nos permiten disfrutar dos guiños nostálgicos a la saga: el reencuentro de Cris y Claire Redfield (Ali Larter, por favor, cásate conmigo) y el pétreo y fuera de contexto Wesker, ya era hora, jeje.

Por lo demás Resident Evil: Ultratumba sólo busca mostrar nuevas piruetas, fliparlo con el 3D y dar un paso más hacia la esencia del videojuego. El resto es un guión inverosímil y una desperciada calidad de su reparto en aras del espectáculo gore de andar por casa.

Críticas: TRON: Legacy.

2011-03-12T14:07:00.005Z

Bueno, cuando una película se hace tanto de rogar, cuando es tan esperada y cuando casi se convierte en leyenda urbana, puede pasar que una vez se estrena no cumpla las espectativas (¿verdad, George Lucas?).

Tron (1982) se ha ido con los años posicionando como clásico de la ciencia ficción y la fantasía, de manera que la noticia de una posible secuela levantó durante casi dos décadas toda clase de rumores, noticias e ilusiones. Bien, TRON: Legacy es la respuesta de la Disney a tanta espera pero desde luego no cumple con la única misión que tenía encomendada: dejar buen sabor de boca a los fans de su predecesora.

TRON: Legacy lo tenía complicado, es cierto. Pero también partía con la ventaja de tener el éxito en taquilla medianamente asegurado por lo que sólo se tenían que preocupar de idear una buena trama, explicar el por qué del retorno a ese universo y sus míticos personajes y aprovechar al máximo los nuevos efectos digitales que en el año en que produjeron Tron no podía ni imaginar.

En mi opinión raya el suficiente en cada una de esas facetas pero en ninguna llega al notable raspado.

Es una película entrenida, TRON: Legacy, especialmente en un arranque dinámico -después de la escena inicial con el retorno digital y nostálgico de un joven Flynn- y espectacular, pero después decae justo cuando más emocionante debería resultarnos, que es una vez regresamos al mundo cibernético. Cuando el milagro de rejuvenecer a Jeff Bridges deja de impresionar y nos explican una rocambolesca historia informático-metafísica y un argumento que roza lo ridículo.

Parece que la necesidad de retomar Tron era inexcusable pero no da la impresión de que supieran exactamente cómo hacerlo. Aquellos que busquen en TRON: Legacy una continuación lógica a la altura de la primera probablemente se lleven un chasco, y aquellos que sólo quieran pasar un rato entretenido se quedarán a medias.

Lo mejor, claro, sale Jeff Bridges. Lo peor, claro, no sabe uno para qué.

Críticas: Los Mercenarios.

2011-03-11T10:17:00.001Z

Sin terminar de quitarme la sonrisa boba, sin atreverme a analizar en serio lo que acaba de pasarme, tengo que confesar que he disfrutado de lo lindo con esta estupidez de Los Mercenarios. Es que si lo pienso y admito que no he parado de reír y asentir durante toda esta sarta de gilipolleces, todo este desfile de adrenalina, pólvora y chulería, podría darme algo a mis años, jeje. ¡Pero como molan The Expendables!

Cuando yo era un crío no había en casa películas de miedo, por Dios, a mi madre podría darle algo y mi padre no fan para nada del Terror, pero lo que sí había, y a espuertas, era cine de acción. Los que crecimos viendo a Schwarzenegger derrotando él sólo a un capullo dictador, los que vimos a Bruce Willis dinamitar rascacielos, aeropuertos o lo que haga falta, los que vimos a Stallone repartir galletas con gafas de sol y pitillo entre los labios, teníamos que disfrutar con Los Mercenarios.

Porque ya no hay cine así, claro que no, lo hay mucho mejor. Porque la somanta hostias está pasada de moda. Porque no tiene argumento, ni pies, ni cabeza, ni un mínimo de sentido artístico. Por todo eso y más, Los Mercenarios es el peliculón de la generación ochentera.

Sylvester Stallone, con una sensibilidad como escritor que ha demostrado no pocas veces, y sabiendo asesorarse por los especialistas indicados para cada ocasión, con un toque de humildad tras la cámara que compensa con un protagonismo estelar entre tanto cazurro hipermusculado delante de ella, ha sabido de nuevo recordar aquellos años esplendorosos del cine de guantazos y explosiones con un producto actual, fresco y desenfadado, que aprovecha los recursos digitales para incrementar esa sensación, esa espectacularidad infantil y malsana, pero no para rodar una película diferente a la que hubiera rodado hace veinte años.

Se erige en padre, casi mentor, de una generación de héroes de acción que le deben mucho más que su sueldo y sus grandes mansiones, a él y a los otros dos mitos de uno contra todos, Willis y Arnie, uno en su cameo desacreditado de costumbre y el gobernador en un guiño amable y desahogado que sólo puede hacer sonreir.

Los Mercenarios no es una buena película, como tampoco lo es su mensaje, ni mucho menos su argumento, ni su narración, ni busquemos actuaciones recordables, a pesar de que Sly le cede al oscarizado Rourke un momento especial sólo para él. No, Los Mercenarios consiste simplemente en apagar la función cerebral de valorar lo que estás vieno, coger un puñado de palomitas tras otro y gritar con las explosiones.

¡Como con ocho años otra vez!

Eso sí, una vez termina niega todo lo anterior. ;)

Críticas: Tron (1982)

2011-03-10T13:51:00.000Z

En el momento de su estreno, 1982, Tron no fue bien acogida. Críptica y confusa incluso hoy para muchos, su temática tecnológica, su lenguaje informático, alejan a una gran parte de espectadores que no terminan de encajar cada término en su lugar. No negaré un curso acelerado de léxico técnico cada vez que la veo, pero no puedo más que reconocer que una vez colocada cada pieza en su sitio Tron no sólo se comprende sino que además se disfruta.

Para mí es mucho más sencillo verla ahora que hace unos años, cuando "palabros" como control central, programa o torre input/output era meros jeroglíficos, y he que decir que cuanto más la veo mejor me lo paso con ella.

Jeff Bridges es el programador Flynn, uno de sus papeles más recordados y que apuesto no entendió en absoluto. En su empeño por demostrar su autoría en uns famosos videojuegos intenta sin éxito infiltrarse en el ordenador central de la empresa en la que trabajaba pero éste no está dispuesto a permitírselo y con un rayo digitalizador tirando a fantástico lo mete dentro de la computadora.

Con esta premisa Tron nos sumerge en un humanizado mundo informático en el que los programas, virus y antivirus están representados por hombres y mujeres y donde la desaparición o no de un programa, la papelera de reciclaje, vamos, es la mítica rejilla de juegos.

¿Quién no ha visto o jugado alguna vez con esas motos y su estela de colores? ¿Quién no ha levantado sobre su cabeza un disco volador? Con el paso de los años Tron ha conseguido un reconocimiento y una reputación que la alzan al rango de clásico de la ciencia ficción hasta el punto de dar lugar a una secuela, rumoreada durante años, que se acaba de estrenar.

Tron es más que una cinta de aventuras, encierra una reflexión filosófica, metafísica, sobre el destino, la tiranía, la existencia de un ser superio y la lucha por la libertad. Visualmente revolucionaria, innovadora y fuera de todo lo conocido entonces, en su marginación y relativo fracaso encontramos hoy su singularidad.

Tron es, de puro derecho, una película de culto, más allá de recaudaciones o secuelas. Un título imprescindible en el que descubrir mucho más que una frikada de bits y circuitos.

Especial SAW: Saw VII, Saw 3D, me da lo mismo.

2011-03-09T09:14:00.000Z

Hace unos meses cometí una de las locuras más divertidas, inútiles y estupidas de las que puedo alardear en mi vida, y fue ventilarme de un tirón las seis entregas de la saga SAW estrenadas hasta entonces. He de reconocer que mi estómago ahora es un poco más duro y que las pesadillas a la hora de dormir me dan risa. Es más, el otro día fui a la carnicería y el pedazo de hígado expuesto no me dio asco ni nada. Principiante, pensé, mirando de reojo al ensangrentado carnicero.

Ayer pude ver la última película de la familia, Saw VII o Saw 3D, ya lo no sé cómo llamarla, la que parece que cierra la saga, si bien en ocasiones anteriores todo parecía tanbién cerrado y hemos seguido hasta hoy disfrutando sus delicias.

Esta última Saw es un petardo.

Pocas veces una película carece tanto de argumento, hilo narrativo o interés cómo esta Saw 3D. Es decir, argumento tiene, con algo hay que rellenar los apenas 80 minutos que dura, pero es una trama prácticamente ajena a todo lo anterior, un anexo sacado de la manga al resto de la saga para poder terminar de desvelar caretas, sorpresas y giros de guión.

Esta última Saw intenta atar todos los cabos posibles, aunque para eso deba introducir nuevos maniquíes que presentar, desarrollar y trocear en la misma película. Intenta dar explicación a las dudas que pudieran quedar respecto a ese asesino que no mata, que encuentra motivos para obligar a los demás a torturarse y que de vez en cuando la cada. Un asesino, Puzle, al que ya no se le podía sacar más punta, toda vez que lleva muerto no sé ni cuántas películas.

Saw VII es la más burra de todas las que recuerde, al menos la más gratuitamente explícita, sin duda para aprovechar el 3D, pero desde luego también es la más vacía, simple y falsa de todas.

Con la fórmula más que agotada, sabiendo que cuanto más enrevesada sea la trampa más seguro es que nos van a mostrar su efecto, Saw 3D limita la sorpresa a los giros radicales de guión, marca de la casa, y a un montaje trepidante y confuso que le quita todo el posible suspense que tenían las primeras entregas.

Con todo, no aburre, imposible con semejante carrusel de atrocidades, pero no merece el dinero que vale la entrada. Vedla en casa antes de que os obliguen a pagar por ver mierdas como ésta.

Críticas: Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte (Parte 1).

2011-03-08T12:48:00.000Z

Bien, tenemos a Harry Potter fuera de Howgarts por primera vez, al menos una novedad, aunque eso no quiere decir que sea mejor película que las anteriores. Más bien al contrario, igual que otras veces, si a estas películas del niño mago le quitásemos gran parte del metraje ajeno a la trama Voldemort sería muchísimo más entretenida.

Desde mi punto de vista toda la saga adolece de eso: nos lo pasamos pipa con las aventuras de los magos y su lucha contra las fuerzas oscuras pero nos aburrimos a muerte cuando nos cuentan, durante largas e insípidas escenas de transición, ese plano y trivial discurrir de sus relaciones personales.

Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte sigue la tendencia de las últimas tres películas, una interesantísima trama de suspense, de conspiraciones y misterio, tropezada cada vez más por esos ramalazos "Al salir de clase" que ralentizan el ritmo, distraen la atención y confunden personajes.

Entiendo que hay que contar eso también, desde luego forma parte de la saga, es condimento también del Harry Potter literario y que tanto cine como novela van enfocados a un público que busca eso también, pero opino igualmente que en el cine es más fácil dormirse si nos aburren con chorradas. El libro lo aparco y sigo mañana, la peli puede convertirse en insufrible.

Pero hablando de Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte como película, encontramos un guión irregular, una trama dilatada al máximo y una encadenación de estupideces como no recordaba en ninguna otra película de la saga: casualidades a mansalva, patochadas sacadas de la manga, nunca mejor dicho, personajes que entran y salen, por importantes que parezcan -"no, es que el jefazo ese de los magos que acaba de salir, te ha echado una bronca solemne y lo interpreta un actorazo, acaba de morirse, fíjate"-, despachados en un plis plas con dos líneas de diálogo, una cantidad vergonzosa de incoherencias aderezadas con una salsa de celos y acné que no viene a cuento.

Tenemos a Harry Potter la mayor parte del tiempo fuera de la escuela, conociendo mundo, vamos. Y eso de entrada un trillón de preguntas, al menos a mi cabecita obsesionada por no dejar cabos sueltos y fingir que todo es creíble: ¿en qué época vive esa gente? ¿Hay coches modernos en Londres, hay super noria pero no hay televisiones, Internet, móviles? ¿Por qué Harry y sus amigos se pierden una y otra vez? ¿Por qué no sacan el iphone y se llaman? ¡No están en la escuela, pueden ser gente normal! De todos modos los guionistas, directores, la escritora o la divina providencia resuelven estas dudas por mí: se encuentran y llegan a sus destinos por sus santos cojones.

Se me había olvidado que como es para niños se les puede considerar tontos.

En fin, que sólo queda un capítulo para que termine esto y han esperado a la séptima película para abrir una nueva línea argumental, encima, fundamental, la de que todo el caldo tenía que ver con encontrar unas reliquias. Siete películas para esto. Bueno, que ya queda menos.

Críticas: El Último Escalón. Magistral.

2011-03-05T08:31:00.000Z

Ahora quiero que imagines que estás en una enorme sala de cine.

Hace ya una década, que se dice pronto, cuando fui al cine a ver El Último Escalón no tenía ni idea de que la dirigía David Koepp, guionista de renombre entonces, ni que se basaba en una novela de Richard Matheson, autor de culto en el género de Terror. Sólo iba a ver a Kevin Bacon en una de miedo y eso ya era suficiente para entrar en la sala con una sonrisa.

Cuando salí del cine estaba alucinando, El Último Escalón me había encantado.

No tardé en buscar en la librería la novela original de Matheson, quería saber más, y me llevaría cierta decepción al comprobar que se parecía a la peli de Koepp lo que un higo a una castaña. Una sensación agridulce porque aunque la novela, de uno de mis autores favoritos, me pareció un paquete, siempre me quedaría la película, que para mí rayaba la perfección.

Desde entonces la he visto muchas veces, una de mis pelis de Terror de cabecera. Y he de decir que El Último Escalón resiste el paso del tiempo mucho mejor que muchas de las cintas de miedo más actuales. Esta es mi opinión, pero afirmo que la adaptación de Koepp de una novela tirando a floja da como resultado un thriller espectacular.

Para empezar, el tuneo de la trama me parece sublime. El Último Escalón, a pesar de un aspeco visual que muchos hoy considerarían pasadísimo de moda -tal vez en él resida gran parte de su realismo y cercanía-, enlaza un argumento mucho más actual que el de la novela, sabe acercarse al mundo "real" especialmente a través de unos personajes tan normales y cotidianos como cualquiera de nosotros.

Las actuaciones me parecen, en general, más que aceptables, reforzando ese cuidado realismo del que depende toda la película. Kevin Bacon está perfecto y Kathryn Herbe tal vez mucho más próxima y empatizante que de haber utilizado a una actriz más conocida. Los secundarios, en especial Dunn y Douglas, no desentonan.

Y el Terror. El Último Escalón me parece una de las películas más terroríficas que haya visto. Con momentos antológicos y secuencias grabadas ya en los anales del cine de este género, tan sorprendentes y logradas que consiguen el sobresalto siempre, cuando no incomodan, inquietan, te hacen revolverte y afirmar que jamás dejarás que un aficionado te hipnotice.

Y esa canción... Mi novela Noctámbulo le debe algo a El Último Escalón.

Han pasado diez años, pero si pienso en poner una película para asustar a alguien pienso en El Último Escalón.

Críticas: El Escritor (The Ghost Writer)

2011-01-24T22:26:00.000Z

Mucho había oído hablar de esta película, muchos elogios y premios para Roman Polanski y El Escritor, lo que me había cargado de ganas de verla. Anunciada como thriller de suspense, cinta de misterio, me la imaginaba al estilo, ya en desuso lamentablemente, de un Frenético, El Premio... del mejor Hitchcock, tal vez.

Bien, El Escritor no está nada mal pero verdaderamente no es eso.

¿Qué falla, pues? Pues lo que falla, en mi opinión, es que aún siendo una película magistralmente hilvanada, rodada e interpretada, la trama, la historia que cuenta, es una chorrada que no me importa.

Quiero decir, que a mí, a nosotros, nos interesa lo justito si tal o cual político trabaja en secreto para tal o cual agencia de inteligencia, vale, no es que nos dé igual, pero no hasta el punto de fliparlo con una película.

Un asesinato, algún crimen, conspiraciones... Eso nos engancha al misterio en cuestión. Política y CIA... Bueno, está bien.

Encuentro entonces El Escritor como una película de suspense muy bien hecha, con un arranque argumentalmente perfecto, con una presentación de personajes y creación del aura de misterio sencillamente espectacular, pero como después la incógnita, la hipótesis, es tan irrelevante, tan poca cosa, no termina de atraparme.

Cuenta la historia de un escritor por encargo, lo que aquí llamamos un "negro" y los anglo parlantes, más finos sin duda, un "ghost writer" o escritor fantasma, que es el oríginal título de la cinta. Este escritor, Ewan McGregor, recibe el encargo muy bien remunerado de supervisar las memorias de el ex Primer Ministro inglés interpretado por Pierce Brosnan. Los dos actores, junto a las dos actrices secundarias, están sencillamente perfectos.

El Escritor empieza como el mejor cine negro, continúa con un brillante thriller y se desinfla en un desenlace que ni fu ni fa. Termina y te quedas con un regusto amargo de lo que esperabas y no fue. Una pena.

Críticas: Jonah Hex

2011-01-22T19:26:00.006Z

He de empezar diciendo que no soy fan del cómic, ni siquiera lo conocía antes de que empezara a sonar el proyecto y casi que la primera imagen que ví del personaje fue con el careto de Josh Brolin. Por eso me voy a centrar en comentar la película, que aquellos que puedan comparar se rasguen las vestiduras si lo consideran oportuno.

A mi me parece que Jonah Hex, película, apesta.

No sólo por aburrida e insulsa, sino por conseguir que actores más o menos solventes como Josh Brolin o John Malkovich den pena. Me parece lamentable la falta de carisma y la dejadez que demuestran esos personajes. Por no hablar de Megan Fox, bajando un peldaño más en su descenso al infierno. Su estancamiento en el rol de zorra florero es directamente patético.

Pensé que Jonah Hex me resultaría por lo menos entretenida pero es que ni siquiera eso, ya desde el principio se ve que todo su esfuerzo se ha centrado en ambientar, envolver y maquillar una historia típica y simple que no da de sí en todo el metraje.

Para empezar, no sé si por la forma en que la película lo narra, la premisa de Jonah Hex me ha parecido absurda. O sea, a ver si me aclaro, resulta que como el tipo estuvo muerto durante un rato pero los indios le resucitaron, tiene el poder de hablar con los fiambres durante un ratito sólo con tocarles.

Esto le sirve en la película para tres chorradas, pero encima lo muestran en modo parodia que dan ganas de echarse a llorar con ello.

Bien, pues eso, esa premisa, es el elemento molón de la peli, así que imaginad el resto... Un guión previsible y soso, una película sin ritmo, sin interés, sin emoción y encima plagada de escenas chorras y actuaciones de feria, Jonah Hex no está a la altura. Con razón a pesar de un reparto estelar ha ido directa al DVD.

Críticas: Balada Triste de Trompeta.

2010-12-19T12:00:00.006Z

Cualquiera diría que me ha dado un ataque de cine español, pero tranquilos, no estoy enfermo, es que parece que en el final del año los estrenos más interesantes son los nuestros. Ayer le tocó el turno a Balada Triste de Trompeta.

Tengo un problema con Alex de la Iglesia. Me encanta su propuesta, me encanta él, me encantan sus ideas, sin embargo su cine nunca termina de encantarme y me deja la sensación de que -algunas- de sus películas me gustaban mucho más antes que después de verlas.

Algo así me ha pasado con Balada Triste de Trompeta, que yo quería que me gustara -te lo juro Alex, he hecho mis mejores esfuerzos-, quería reírme y disfrutarla, pero leñe, otra vez. Salgo del cine con cara de circunstancias y pidiendo perdón a quienes me acompañaban.

Porque el humor de Alex de la Iglesia ya no es negro ni tinto ni tiene color. Ya uno no sabe cuándo hay que reírse porque envuelve su cine de tanto halo de parodia, de tanta mala baba, que a mí, por lo menos, esta Balada Triste de Trompeta, aún desternillante por rachas, me anestesia desde casi el principio, me acostumbra a ese tono burlesco y permanente y deja de sorprenderme.

Ya me pasó con Muertos de Risa -a la que Balada Triste le debe un poco más de lo que se está diciendo-, con Crimen Ferpecto -con la que es que ni arqueé una ceja- y con La Comunidad -aunque está la vería de nuevo con gusto-, por poner tres ejemplos. Me encantó El Día de la Bestia, a quién no.

Estoy leyendo muchas críticas a raíz del visionado ayer de Balada Triste de Trompeta. Los que no disfrutaron la peli se vuelcan en argumentos, uno tras otro. Los que la reclaman como lo mejor del año, no dejan de hablar de su aspecto visual, de su conexión con aquella época, de su música...

¿Pero cuáles son los logros de Balada Triste de Trompeta como película? ¿Es entretenida? ¿Divierte? ¿Emociona? Pues yo diría que tan de cuando en cuando, y tan poquita cosa, que no podría unirme a la lista de besa culos que están poniéndola por las nubes.

Porque quitando algún momentazo genial y/o brutal inesperado -a menudo sacado de madre y sin venir a cuento, exceso violento o gore que abunda en la película aunque no case para nada con el resto y parezca un simple capricho-, Balada Triste de Trompeta me ha parecido un coñazo. Quiero decir, que ni me ha hecho gracia ni me ha interesado la vida de sus protagonistas, desmedidos, exagerados, inverosímiles, hasta el punto de que su vida o su muerte me daba un poco lo mismo.

Las interpretaciones, desde luego, de lo mejor. El maquillaje, la ambientación, estupendísimos. Ahora, la película, como tal, otra vez sosa y pasaminutos, si es que se me permite el palabro. Insulsa hasta que de repente alguien pega un mordisco o alguno dice una parida. Pero enseguida se regresa al tedio, que es, lo siento Alex y pongo a tu disposición mis novelas para que las conviertas en películas igual de tediosas, lo que más me ha transmitido esta Balada Triste de Trompeta.

Por cierto, la canción de Raphael, lo más aterrador del año sin duda.

Críticas: Buried (Enterrado)

2010-12-09T17:54:00.005Z

Brutal, impresionante.

Nunca antes, y he ido unas cuantas veces, había salido del cine en un estado tal de agitación, incómodo, agobiado, tanto que incluso me costó recuperar el ritmo normal de mi respiración. Porque si disfruté como loco durante el 90% de lo que dura Enterrado, con su tramo final sólo me queda quitarme el sombrero.

Si el otro día comentaba Los Ojos de Julia y lamentaba la falta de chispa y de ideas cuando el cine español quiere ponerse convencional y asegurarse la taquilla imitando las modas de Hollywood, hoy tengo que reconocer, y reclamar, que el cine español no es sólo eso, porque igual que nos golpeó REC en su momento o que aplaudimos a Amenábar antes de caer en el mismo saco, Rodrigo Cortés, con su Enterrado, no sólo da un golpe en la mesa sino que grita, y muy fuerte, que el cine español, en manos de los cineastas españoles y no de sus productores, da para mucho, mucho más.

Enterrado es una película española pero cuenta una trama muy americana y cuenta con una estrella de aquél lado del charco para soportar todo el circo. Lo que consigue Ryan Reynolds -sí, el hombre al que odiaré siempre por pura envida, al menos hasta que Scarlett Johansson le abandone y le haga mucho, mucho daño- es coronarse como un fenómeno de la reacción, del registro, de la empatía. Encerrado durante horas en una caja, transmite a la perfección, creo yo, las sensaciones y angustias del personaje, algo en lo que se sostiene con mucho riesgo el éxito o el fracaso de una película como Enterrado.

Paul Conroy es un contratista americano destinado a una de las provincias en conflicto en Irak. Allí es secuestrado por una facción de insurgentes y enterrado vivo con la única conexión con el mundo de una Blackberry con la que sus secuestradores le obligan a solicitar un rescate.

Esa hora y pico de angustia, de tensión en cada llamada -especialmente la del ejecutivo de su empresa y también la última- logra una familiaridad con el espectador, consigue meternos tanto en el cine, que sufrimos con Paul, sudamos con Paul y nos falta el aliento como a él hasta el final.

Con muchos menos medios que otras, con una repercusión menor, Rodrigo Cortés consigue con Enterrado comerse todo el pastel, sorprender a propios y extraños y, en mi opinión, convertirse en el puntazo del año, por buena y por original y sorprendente.

A mí desde luego Enterrado me ha ganado. Con los justos ramalazos de Hitchcock y una notable dosis de crítica y social y lavado de realidad, sin trucos de sonido mil veces vistos ni giros de guión chabacanos, me ha hecho disfrutar en el cine como muy pocas de las pelis de suspense o terror que haya visto.

Simplemente genial.

Crítica: Los Ojos de Julia.

2010-12-07T12:37:00.004Z

Como todos sabéis, por motivos de trabajo, aburrimiento o frikismo irracional me veo obligado a digerir una buena cantidad de cine de mierda al año. Sin embargo, en todo lo que recuerdo haber visto recientemente, ninguna película me ha ofendido, cabreado y repugnado tanto como Los Ojos de Julia.

Aquí debería terminar mi crítica, porque resume a la perfección la repulsa que sentí en aquella sala de cine en la que no podía dejar de retorcerme y aguantar las náuseas con cada nueva trampa, truco, engaño y gazapo de esta indigna producción de Guillermo del Toro, al que debería caérsele la cara de vergüenza por patrocinar semejante insulto.

Los Ojos de Julia nos quiere contar una historia de miedo, no, un drama, no, una tragedia familiar, no, un thriller, no, un chiste ridículo que da verdaderas ganas de llorar.

Ni siquiera voy a salvar a Belén Rueda por repetir por enésima vez su papel, aparece digna pero incapaz de defender este despropósito. Lo mejor de la película podrían ser los secundarios, pero es igual, la zozobra general es tan calamitosa que mejor no molestarse en salvar a nadie.

Con errores clamorosos de continuidad, de coherencia, de sentido común, con escandalosos y descarados trucos de mierda para engañar al espectador de la manera más burda y cafre, con una trama que no se sostiene por ningún lado y con un supuesto "giro final" tan previsible como estúpido, Los Ojos de Julia no debería ni considerarse una película profesional.

Porque Los Ojos de Julia consiste en un esfuerzo descomunal por parte de productores, guionistas, director y actores para que te creas una estupidez supina sobre invisibilidad, ceguera y venganzas que no quiero destripar por si alguien, por error, todavía se aventura a pasar una tarde rayante en un cine alimentando una industria, la española, que por quejica y llorona no consigue sacar mejores productos que esto.

Insultado, así es como me sentí viendo Los Ojos de Julia. Pero cómo creerme semejante patraña descarada, cómo consentir que a la pobre Belén Rueda se empeñen por dejarla sola constantemente, cómo creerme los trucos de cámara, cómo no sospechar de lo que resulta evidente, cómo consentir los fallos clamorosos de coherencia, cómo soportar a la maldita niña que se cree un superhéroe en lugar de llamar a la policía... Cómo soportar tanta cafrada y cómo explicarla sin destrozar la película con expoilers.

Sólo espero que en la magnífica web Cinecutre Los Ojos de Julia reciba su castigo merecido porque de verdad no tiene cinco minutos seguidos sin que tengamos que sufrir una gilipollez supina.

Como he leído por ahí, Los Ojos de Julia no es ni terror ni paranormal, es sólo anormal.

Dios, qué burrada de película.

Críticas: Sleepy Hollow. Magia, pura magia.

2010-11-29T14:15:00.006Z

Tarde de tormenta, tarde oscura, tenebrosa. Relámpagos y truenos. Lluvia gris y niebla densa. Es mi pueblo, en Lanzarote, pero me devuelve nítidamente a uno de los momentos más mágicos y reveladores que jamás haya vivido en un cine: la noche que visité por primera vez la aldea de Sleepy Hollow.

Por supuesto había disfrutado de los destellos de genio oscuro de Tim Burton desde aquel Batman que me impresionó al salir del cine o su segunda parte, aún más fascinante para mí. Había alucinado con Beetlejuice y desde luego con la evocadora Eduardo Manostijeras. Pero lo que significó para mí Sleepy Hollow ninguna otra película lo ha rozado.

Bosques en bruma, silencios aterradores, ramas retorcidas, jinetes sin cabeza.... El compendio de todo lo que el terror gótico puede ofrecer lo reúne la leyenda de Sleepy Hollow que en 1999 Tim Burton adaptó al cine con un acierto y un estilo que luego no volvía encontrar en ninguna de sus producciones.

Ensalzando la estampa icónica del jinete sin cabeza, de la maléfica calabaza de Halloween ardiendo, Burton dibuja un cuento de terror victoriano encantador por los cuatro costados. Con un diseño de producción marca inequívoca de la casa y una banda sonora sublime, Sleepy Hollow es, para mí, ya todo un clásico.

Johnny Depp se mueve como pez en el agua en su atolondrado personaje diseñado a medida para él. Ese policía escéptico entregado a las nuevas tecnologías forenses de la época enfrentado sin quererlo a un misterio para el que las leyes de la ciencia que adora no tienen explicación. Los crímenes en cadena de una serie de aldeanos decapitados por un jinete endemoniado que les roba las cabezas.

El guionista Adrew Kevin Walker, autor también del guión de Se7en, recoge una leyenda inmortal y pone en las manos de Burton un mito del cine. Sleepy Hollow significa para un servidor un paso más en el arte de imaginar, de contar cuentos de terror y divertir causando miedo.

Lástima que el Burton de Sleepy Hollow se debió perder entre la bruma.

Críticas: El Libro de Eli. Amén.

2010-11-29T10:22:00.005Z

A ver por dónde empiezo a trocear este misal convertido en película, porque realmente no hay mucho bueno que decir de ella. Al comentar El Libro de Eli es fácil caer en el spoiler, lo cual no sé si en este caso sería un pecado capital, digno de un castigo divino... ¿Se nota que acabo de terminar de verla?

Como los caminos del Señor son inexcrutables y sólo aquél que tiene Fé encontrará la Salvación, Eli es un pavo tirando a soso que patea unos Estados Unidos pasados por el filtro Mad Max convencido de que una voz interior le ha animado a rescatar un libro, El Libro de Eli, claro, que siginifacará el resurgir de la esperanza para una humanidad sumida en un desierto de luz y sed posapocalíptica.

Denzel Washington, hipercatólico confeso, es el tal Eli, y en su doble faceta de megaestrella y productor, supongo que con fines benéficos, claro está, nos regala este pastiche que deja de ser interesante al cuarto de hora y que entre su lentitud y su rancísimo mensaje ultrareligioso termina por aburrir hasta a las ovejas.

Los hermanos Hughes ya me aburrieron convirtiendo en trivial una pedazo de novela gráfica sobre Jack el Destripador en Desde el Infierno, pero lo que hacen con El Libro de Eli es directamente finiquitar su carrera. Por prestarse al panfleto demagógico perpetrado por Washington y su guionista Gary Whitta y por ni siquiera ser capaces de hacer de él una peli entretenida que al menos nos hiciera olvidar tan anacrónico mensaje.

Quitando un diseño de producción logradísimo, pero que termina por empalagar, con esos tonos sepia exagerados por momentos, y una fotografía a menudo resultona, ni las actuaciones ni las situaciones de El Libro de Eli merecen ningún tipo de mención.

Previsible desde casi el inicio, sólo alguna pincelada en las escasas escenas de acción y algún que otro decorado te hacen levantar la ceja durante el sermón pasado de rosca que supone El Libro de Eli, cuyo final mesiánico ya termina por revolver el estómago de cualquier ciudadano del siglo XXI con dos dedos de frente.

Por momentos recordaba con una sonrisa La Llave del Abismo, de José Carlos Somoza, como una posibilidad realmente escalofriante.

Críticas: Predators.

2010-11-13T21:04:00.004Z

Reconozco que cuando me enteré de que Robert Rodríguez iba a producir una nueva versión de lo que para mí es uno de los grandes clásicos de la Ciencia Ficción y del cine de Acción, Depredador (1987) lo primero que sentí fueron arcadas. No porque dudase de la capacidad de Rodríguez para afrontar un proyecto serio, que también, sino sobretodo porque después de las judiadas que le han hecho a este peliculón con su talonario de secuelas, una más no me hacía augurar nada bueno.

Robert Rodríguez decidió no ponerse tras las cámaras, sino cederle el honor al bueno de Nimród Antal, del que no me disgustó del todo Habitación sin salida, y tal vez por eso Predators me haya resultado menos castaña de lo que esperaba y un acercamiento casi válido a mi adorado film de Schwarzenegger.

De todas las aproximaciones al fenómeno que supuso Depredador en los ochenta, ninguna había conseguido rozar siquiera su calidad ni su espíritu. Una, la primera secuela, porque su traslado a la gran ciudad eliminaba de raíz el principal encanto de la original, la ambientación claustrofóbica y agobiante de la jungla sudamericana. Las demás, despropósito que lo mezclaba con Alien, ya no eran películas sino experimentos vergonzosos.

El Predators de Rodríguez y Antal, he de reconocer, no me ha dado tanto asco como las anteriores secuelas, de hecho, lo he disfrutado casi a gusto, agradeciendo los guiños y homenajes al Depredador de John McTiernan, viviéndolo como una certera secuela que pretendía sinceramente entroncar con aquélla.

Por desgracia, las semejanzas con su antecedente se quedan en el regreso al entorno selvático y a una constante referencia a la famosa misión encabezada por el sargento Dutch, porque una vez Predators se pone en marcha como película independiente con principio y fin en sí misma, es decir, cuando deja de frotarse con la peli original, demuestra que por buenas intenciones que se tengan no se garantiza el saber hacer una buena película.

Con una trama confusa y tirando a estúpida y previsible, no diré que Predators es mala, simplemente, no contiene nada digno de recordar. Un Adrien Brody pasado por el taller de Chuck Norris, un Laurence Fishburne insustancial, y una serie de secundarios accesorios, especialmente Danny Trejo, al que Rodríguez no respeta como intérprete a pesar de regalarle Machete poco después.

En definitiva, Predators supone un esfuerzo que agradeco por honrar la película original pero vuelve a quedarse tan lejos de ella, tan lejos de ser un buen entretenimiento siquiera, que no puedo evitar preguntarme qué necesidad hay de seguir torturando a uno de los villanos más carismáticos del cine de acción reciente.

Vampire Girl vs Frankenstein Girl.

2010-11-13T20:04:00.005Z

Parece mentira que después de años intentando ver buen cine, te llegue un día en que lo que más te apetece es ver una chorrada, a ser posible como un piano, que ta arranque una sonrisa y te ayude a desconectar de los rompecabezas cotidianos.

El estrés, la maría, un aburrimiento pertinaz o una falta de neuronas, son buenas razones para sentarse a ver un truño como Vampire Girl vs Frankenstein Girl.

No es necesario darle caña a esta película en foros como cinecutre o similares, la peli es mala de cojones porque así fue creada y parida, pero dentro de su género, el japo descerebrado y exagerado, Vampire Girl vs Frankenstein Girl no es sólo una locura original sino hasta divertida.

Las tonterías que se les ocurren a algunos guionistas japoneses no tienen límite ni medida. Vampire Girl vs Frankenstein Girl cuenta la historia de una joven estudiante recién llegada a un nuevo instituto que desde su aparición se empeña en seducir a un atontado muchacho, que resulta ser el caprichillo de otra.

Pero si la recién llegada guarda un secreto -en realidad es una vampira en busca de un nuevo esbirro- su rival por el amor del tontaco no se queda atrás, y es que su padre, profesor de ciencias, resulta ser un fenómeno del quimicefa y es capaz de reconstruír a los muertos.

Vampire Girl vs Frankenstein Girl nos entrega una versión hilarante del confrontamiento entre dos monstruos universales, trastocados hasta el absurdo por el gore, la imaginación barroca y las escenas sangrientas más descabelladas que yo jamás haya visto en una película.

¿Si la recomiendo? Jo, pues sí, pero con matices. Si tras la secuencia inicial, previa a los títulos, no te estás tirando de los pelos, sigue viéndola, si te hace torcer el gesto asúmelo porque toda la película es igual de pasada de rosca.

Yo me reí como un crío gamberro tirando piedras a los cristales.

Machete: Culpa mía por esperar algo más de esto.

2010-10-15T17:16:00.007+01:00

Vale que Robert Rodriguez es un gran ideador de escenas de acción, no es un genio del género, desde luego, pero sí tiene la mente lo suficientemente retorcida para crear algunas de las burradas más brutas y divertidas sobre cómo matar a un tipo en una peli. En ese aspecto es bizarro de narices el muchacho. Ahora, como guionista, como director de cine, es una castaña. Y con Machete vuelve a recordado.

Parece que se está acomodando en lo de rodar "bromas", ¿se ha olvidado de dirigir de verdad?

Porque Machete, más allá del tráiler de coña que nos colaron en Planet Terror, es una peli de acción de toda la vida, un mata mata, un Commando, un tos pa mí que me los como, que nace de la nada, porque tal personaje, la verdad no tiene nada de interesante ni qué aportarnos, y salvando tres de esas animaladas Made in Rodríguez, se queda en también en nada.

Tras Desperado tuve la impresión de que el nuevo cine de acción y pólvora lo iba a escribir Robert Rodríguez. Ví que un tipo con cuatro duros había conseguido darle un poco de color a un cliché manidísimo y hasta convertir un bodrio de guión, un Zorro chusco -ya andaba por ahí Banderas- en un film entretenido y más o menos diferente.

Desde entonces, Rodríguez decidió seguir la senda que marcaba su entrepierna en lugar de el sentido común, cosa que no veo mal si tu entrepierna alberga algo más que litros de vísceras de pega reventando contra las paredes y niños superhéroes. Y salvo alguna excepción que destaco porque me hizo gracia, sus películas son en general un paquete.

Machete vuelve a ser El Zorro, vuelve a ser su Desperado, incluso repite escenas y planos en un ejercicio que prefiero tomarme como auto homenaje que como lo que me pareció al verla, una ridícula falta de ideas. La diferencia es que Desperado era original y apenas duraba un ratito, que Banderas transmitía mal que bien el pesar de un personaje atormentado y que el mismo Rodríguez mostraba ahí un pulso mucho mejor para las escenas lentas y de transición, ¿tal vez debido a la colaboración de Tarantino?

Pero en Machete el pulso de Rodríguez empieza y acaba en tres premisas: hacerle un regalo al ya familiar Danny Trejo, lucir elenco de actrices de acción hispanas y desmadrar todo lo posible con el gore y la fantasmada.

Y en los tres puntos acierta, en mi opinión. Creo que Trejo da exactamente lo que se le pide, a ver si ahora va a ser un Clint Eastwood; las chicas, Alba y Rodriguez, están las dos más bellas y sexys que nunca -de Lindsay Lohan ni hablo-; y el gore exagerado es lo único que hace que Machete no pase por la peli más aburrida del año.

El problema es todo lo demás, y es mucho, ya que ni la trama, estúpida, ni los secundarios de "lujo" rellenan dignamente el resto de las dos horas de truño. Hacer reír en un tráiler es una cosa, pero darle a eso un evoltorio que aguante semejante minutada... Ahí falla de plano.

Meter en la misma tarta a Robert De Niro con un Steven Seagal travestido en el Coronel Bison no tiene tanto mérito una vez visto el resultado del estropicio. Jeff Fahey cumple a pesar de dar vida a uno de los gangsters más torpes y cenizos del género y al parecer ése que dispara y fuma puros tras sus gafas de pasta es Don Johnson como podría ser mi primo el peluquero.

El intento de mezclar lo mejor de Desperado con lo mejor de Planet Terror le ha salido a R.R. muy, muy por la culata y opino que debería dejarse aconsejar en lugar de hacer las cosas según le sale de ahí, porque hasta la parodia, para serlo, al menos debe hacer gracia.

Y ver a DeNiro huyendo a hurtadillas de un barracón disfrazado de mejicano de todo a cien no da risa sino mucha pena.

Machete es una peli de Rodríguez y Rodríguez. Por fin Michelle Rodriguez demostrando lo cañón que está, que ya era hora, y por otro lado me deja el sabor agridulce de seguir al mejor Robert Rodríguez para tarde o temprano. un film plagado de guiños, de iconos, que define las obsesiones de su director más allá de complacencias con una audiencia que él sabe polarizada: o le va a ser fiel, o se la pela. Así le va.

Se7en. El nacimiento del género de todos los géneros.

2010-10-02T12:20:00.005+01:00

Quería comenzar el nuevo mes con una revisión de un clasicazo de los noventa que pude recuperar hace poco. Se trata de Se7en, la película que dio a conocer a David Fincher, después de acabar con la saga Alien, y que unida al éxito de El Silencio de los Corderos abrió las puertas del cine a los psychokillers cada vez más rebuscados e imaginativos, puerta por la que en los últimos años se cuela casi de todo.

Cuando algo es nuevo sorprende y si es bueno crea es cuela, cuando empieza a repetirse puede pasar que algún otro acierte pero lo normal es que la buena idea acabe desvirtuándose. Se7en no llegó la primera a la línea de meta en el género del asesino en serie más listo que la policía -de hecho gran parte del cine policiaco setentero ya partía de esa premisa- pero sí fue de las primeras en girar una muesca más la tuerca y convertir esta rama del cine negro en un paso más en el cine de Terror.

Dignificar el Terror o pornografíar el suspense, tales caminos llevan a Se7en y de ésta al tropel de pelis posteriores que siguieron su estela, siendo tal vez la más inmediata El Coleccionista de Huesos y la más extremista Saw. Me refiero a que Se7en parte como tantas del esquema del poli cascado y de vuelta de todo al que le encasquetan un agente más joven e impulsivo para cazar a un asesino implacable que tiene un maquiavélico plan para ir cepillándose a una cantidad variable de vícitmas. En este sentido, Se7en no aporta nada.

El acierto de Fincher es voltear este típico canon de cine negro y fundirlo con un género que hasta ese momento teníamos más asociado a la casquería inexcusada, al gore más o menos refinado o al cine adolescente. En ese 1995 David Fincher creó la mezcla perfecta entre una peli de Harry el Sucio y lo mejor del Terror de la época. Suspense, drama, policiaco, terror... ¿Qué no tiene Se7en?

Una ciudad sin nombre en la que nunca deja de llover, unos personajes reales, con profundidad, con "vida", un asesino implacable y jodidamente retorcido, un plan mortal apasionante, escenas de una tensión y un pulso dramático sobrecogedoras y sobretodo unas actuaciones clavadas que dan a Se7en ese halo de verosimilitud sin el cuál la historia no hubiera pasado del típico serial killer ochentero.

En Se7en se respira la suciedad, la mugre del ser humano. Fincher juega con nosotros, manipulando nuestros puntos de vista, metiéndonos por momentos en la calma del cínico veterano Morgan Freeman o en la impulsividad macarra de un acertadísimo Brad Pitt. Incluso nos conmueve con la fragilidad de la bella Gwyneth Paltrow, antes de que ese John Doe, Juan Nadie, sin acreditar (no seré yo quien desvele la sorpresa a quien no la sepa) se robe la película.

Se7en supone para mí el inicio del genéro que me impulsa a escribir, el paradigma del libro que quisiera escribir. Suspense, investigación, historia que contar, entrelazada con el Terror más primigenio del ser humano: todos podemos ser una víctima, todos somos culpables de algo.

La magia de Se7en es haberse convertido en su momento en una piedra angular del cine policiaco y haber llegado hasta hoy no sólo fresca sino indudablemente superior a cualquiera de sus herederas.

La trama alrededor de los siete pecados capitales, la atmósfera agobiante, el espectador siguiendo paso a paso la investigación, la brutalidad de los crímenes, las tragedias de cada personaje, ese final impresionante, inolvidable... Se7en es sin duda una de mis películas de no dejar de volver a ver nunca.

Críticas: La Caja. ¿Estás en serio?

2010-09-23T18:08:00.004+01:00

Existen dos tipos de malas películas de Terror, las rematadamente horribles que ya desde su nacimiento estaban predestinadas a ser malas (típicos refritos y apropiaciones de ideas de otros) y las que resultan malas por pura ineptitud de sus responsables a la hora de llevar a cabo una idea cuando menos pasable.

La Caja, película de Richard Kelly (Donnie Darko) basada en un relato de Richard Matheson y protagonizada por actores en principio solventes como Cameron Diaz, James Marsden y Frank Langella tiene un comienzo interesante, casi prometedor, uno de esos típicos arranques de una película de la que no sabes mucho y que de repente dices "anda, pues igual va a molar".

Pues no, La Caja no mola, a los veinte minutos estás deseando que aprieten ese botón y a los veinticinco que se acabe.

Veamos qué pasa con La Caja. A una familia setentera -la acción se situa en plena carrera espacial- se les aparece un tipo muy extraño y con una singular resisitencia a las infecciones pese a tener la mitad de la cara descarnada, que les suelta una caja de madera con un botón. Si lo pulsan ganarán un millón de dólares, pero alguien que no conocen morirá en alguna parte del mundo.

La tensión que puede desprender este comienzo, nada mal presentado ni interpretado, por cierto, gira entorno, claro está, a si van a apretar o no el dichoso botón, incluso se presta a dar pie al debate interno en cada uno de nosotros de qué haríamos en su lugar. No creo caer en ningún spoiler si digo que ese suspense, inevitablemente o no habría película, termina en cinco minutos y con un sonoro chof!

Bien, los minutos que siguen a ese suspense convierten La Caja en una cinta de espias que no deja de ser interesante del todo, en absoluto, pero a la que poco a poco se le empiezan a ver las costuras. Y como suele pasar en este tipo de cine de suspense o Terror, el que podríamos denominar de "pillado por los pelos", cuando después de hora y pico aguantando la intriga, alargando la espera y retardando la explicación se desvela el pastel, la carcajada no puede ser más sonora.

Porque la explicación que fundamente lo que sucede en La Caja es tan inesperadamente estúpida que la cinta pasa de la intriga a la vergüenza ajena de la manera más natural del mundo. Se ve que sus responsables pretenden que asumamos el giro final con la frescura de un supositorio de latón del tamaño de un paragüero. Y duele, claro.

La Caja resulta una gran decepción y pese al buen trabajo de los actores -irregular pareja protagonista pero solvente Langella-, se resuelve como una sorprendente gilipollez.

Críticas: Mimic. Más vale tarde que nunca.

2010-09-21T19:45:00.004+01:00

Por alguna razón, tal vez con origen infantil, el cine o la literatura de Ciencia Ficción, ya sea espacial o de bicharracos mutantes, rara vez consigue despertarme la curiosidad demasiado. Igual que soy capaz de conceder el beneficio de la duda a casi cualquier truñaco de Terror, no entiendo por qué a la fantasía más o menos científica o sofisticada no le hago tanto caso.

Es ahora, casi por vergüenza, cuando me obligo a recuperar clásicos como Dune, Alien o Blade Runner, cuya ausencia en mi filmografía debería ser imperdonable.

Una de esas aventuras de Terror-Ciencia Ficción eternamente aplazadas era Mimic, de Guillermo del Toro, que por pura casualidad ayer me decidí a rescatar. Y me gustó, no tenía muchas dudas de que lo haría, y de verdad me gustó.

Mimic es la segunda película como director de Guillermo del Toro, después de su interesantísimo y perturbador debut con Cronos, y su primer contacto con la industria americana que ahora casi le adora. Cuenta cómo para detener la expansión de una enfermedad transmitidad por las cucarachas, un matrimonio de científicos neoyorquinos crean una nueva mutación genética de este bicho tan agradable que es capaz de merendarse a sus compañeras infectadas. Años después, cuando consideran esta especie extinta, una criatura terrorífica surge de las entrañas de Nueva York.

No me he atrevido antes a darle una oportunidad a Mimic por culpa del prejuicio irracional que me aparta de todo tipo de "peli con bicho". Soy raro. Igual soy capaz de devorar las pelis de vampiros como de repudiar por fantasiosas las de zombies, igual me pirro por las fantasmadas más absurdas pero me niego a creer las de criaturas mutantes. Yo que sé, adoro Star Wars pero jamás vi Star Trek porque paso de las pelis del espacio...

Después de esta confesión, desautorizando mi propio criterio, qué le vamos a hacer, diré que Mimic me ha gustado dentro de lo que una peli de bichos puede gustarme, lo cuál no es decir poco, puesto que normalmente no le daría ningún valor a una y pico de cucarachas mutantes asolando una ciudad supuestamente civilizada.

Sin embargo, encuentro en Mimic muchas de las referencias que tanto me gustan en el cine de Guillermo del Toro, esos tics u obsesiones recurrentes en sus producciones y con los que tanto congenio. Túneles oscuros, criaturas imaginarias, la curiosidad infantil, los espacios claustrofóbicos...

Respeto mucho más a Del Toro como creador visual y fuente de buenas ideas que como director, ya que algunas de sus películas me han llenado mucho más desde el aspecto visual y evocador que desde el cinematográfico, y desde luego con Mimic me ha pasado que el universo suburbano y las caracterizaciones de los personajes me han vuelto a interesar más que la trama, el argumento o su resolución como película.

Al parecer mucho tiene que ver con ello el hecho conocido de que el estudio interviniera más de lo deseable en el quehacer de su director.

Recomiendo Mimic como clásico de Horror con Bicho, pero no con el entusiasmo que quiza alguien con un mejor criterio para este tipo de cine pudiera poner en ella.

Críticas: Splice. Experimento Mortal.

2010-09-20T17:11:00.004+01:00

Aburrimiento mortal, más bien, sensación extraña y gesto torcido es lo que he conseguido tras ver Splice, de la que esperaba mucho más y que me había creado otras expectativas. Esta película logra que un argumento que da pie a un enorme abanico de posibilidades se quede en un telefilme sencillo, básico, simple, reducido a la mínima expresión en cuanto a profundidad, intensidad y emoción.

Splice: Experimento Mortal, sólo consigue indiferencia.

Vincenzo Natali me deslumbró con Cube (1997) y tampoco me defraudo con Cypher (2002), después le perdí la pista y al conocer su regreso al cine de género con Splice no pude evitar llenarme de ciertas ilusiones. Sin embargo toda la expectación desaparece a la media hora de película, cuando todo el (poco) pescado está vendido y sólo queda contar los minutos hasta un desenlace cantado y previsiblemente aburrido.

Splice: Experimento Mortal navega entre un genético Frankenstein y un Alien descafeinado, sin embargo no termina por profundizar en ninguna de las dos, con lo que pasa de puntillas por ambos subgéneros, el del científico loco y el de la criatura desatada, ni da miedo ni se atreve a indagar en la malentendida ambición del ser humano.

Pudiendo haberse disfrazado de un moderno HG Wells (El Hombre Invisible) o RL Stevenson (El Extraño Caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde), Natali limita la trama científica a un mero caso de inseminación artificial, porque una vez los investigadores (unos perdidos y extrañamente atolondrados Brody y Polley) cruzan esa línea de la ética científica todo queda en un ridículo capítulo de Supernani pasado de rosca.

DREN, la criatura creada de puro churro y de la que desde el principio queda claro que no se va a sacar nada bueno, al final resulta ser uno de los bichos más sosos y aburridos de la ciencia ficción actual, sus únicos momentos de protagonismo son al poco de su nacimiento, justo lo que tarda Splice en demostrar que no va a ser una película de Terror científico sino una más, y bastante simplona, de descafeinado Terror con niña.

Niña, por supuesto, hormonada y tonta, que asume uno por uno todos los clichés más típicos, repitiendo el esquema mil veces visto de "primero apego a la madre, después complejo de Edipo -comienzan los problemas- para terminar con el despertar sexual y el rechazo" con el que llega al desenlace.

Natali acierta al irrumpir desde el principio en la acción, sumergiéndonos en la ambición, en la tensión de la creación de una especie nueva a través de la combinación de ADN, una primera parte de Splice que resulta lenta pero al menos interesante, sin embargo, como digo, una vez la trama presentada... Splice se diluye como un azucarillo en el Terror facilón y previsible, tremendamente sencillo, insustancial y, tal vez por una elección argumental que reduce la acción a dos localizaciones y tres personajes, muy limitada.

Total, nada nuevo ni sorprendente, en ninguno de sus aspectos, algo que tratándose de Splice sorprende viniendo de un equipo artístico, directivo y productivo como del que viene.

Críticas: Origen (Inception).

2010-09-18T11:17:00.004+01:00

Me acerco a ver Origen precavido por dos motivos: uno, lo cansino que me resulta Christopher Nolan últimamente, cargando sus películas de líneas de guión, de reflexiones humanísticas y alargándolas hasta el infinito. Segundo, por la manía inevitable que me produce Leonardo DiCaprio, al que sólo le reconozco dos papeles, el de niñato envalentonado, en sus comienzos, y el de intenso sufridor en silencio, en sus trabajos recientes.

Para colmo, el prejuicio inevitable de la cantidad de gente que escucho y leo comentando lo complicado de la película, que si hay que verla varias veces para entenderla, que si no sabes qué es real o sueño....

En fin, tras verla, y con todo esto maxificado, Origen me parece la mejor película que he visto en muchos años.

Comprendo que el camino fácil a la hora de enfrentarse, con tu cubo de palomitas y tu cerebro al ralentí, a una película como Origen -o Memento, sin ir más lejos- es dejarse llevar por la imagen, desistir de prestar la atención requerida y al final decir que "es que es una de esas películas que hasta que la ves por segunda vez...".

Bueno, Origen se entiende, y se entiende perfectamente porque Nolan, DiCaprio y todos los demás se pasan las diecisiete horas que dura esforzándose por explicar una y otra vez cómo funciona el mundo onírico que nos propone. Queda más que claro el trabajo de Cobb, se detalla el camino por los distintos niveles de sueño y a poco que uno se enganche y participe del juego consigue fácilmente distinguir quién está en cada uno, quién sueña en cada momento y, por lo tanto qué puede o no pasar a continuación.

No se asusten los que no hayan visto aún Origen, escuchando y observando desde el principio, las normas que rigen la realidad que presenta el film quedan claras y se puede participar sin problemas de su trama. Eso sí, con ganas de atender y entender desde el principio, que este Nolan no es el de Batman.

Lo que presenta este magnífico ejercicio de cine es una doble pirueta con un riesgo más que elevado pero un resultado excelente: Origen quiere que pensemos mientras silban las balas, quiere que reflexiones, quiere hacernos trabajar intelectualmente al tiempo que nos deslumbra con su espectáculo visual porque si no nos perderemos. Tal vez sí que haga falta un tipo de pensamiento simbólico, una capacidad de imaginación que te acerque a lo que plantea. ¿Cuánto conoces de tus sueños? ¿Cuánto te has parado a reflexionar sobre cómo y por qué soñamos lo que soñamos?

El Cobb de Leonardo DiCaprio es un experto en manipular las mentes, la cabeza de un equipo perfecto de ladrones de ideas que recibe el encargo de trabajar a la inversa: introducir una idea en la mente de alguien. Origen. Y la forma en que Nolan nos va a explicar cómo se hace y cuáles son sus consecuencias es sencillamente perfecta.

Impacte película, Origen, cine que te hace pensar mientras te revuelca en la butaca y te pone cabeza abajo, literalmente. Estímulo intelectual, sensorial y cognitivo, espectáculo de acción en el que hasta en los momentos de calma te obliga a permanecer en vilo. Una película para disfrutar y salir del cine reflexionando, debatiendo, argumentando. Cine del bueno, señor Nolan, esta vez sin pega alguna.

Críticas: Noche y Día.

2010-09-16T22:57:00.005+01:00

El arte de caer simpático, de hacer gracia mientras se reparten galletas y tollinas está tan devaluado en el cine de hoy día que encontrarlo de repente me hace considerar Noche y Día mejor película de lo que sin duda es.

El cóctel habitual en los ochenta, algo menos en los noventa, de combinar la risa con las explosiones y las balas se perdió en algún momento de la última década en favor de un cine más estremista. Así, recibimos en las carteleras películas de acción o comedias disparatadas, cine de Terror o melodramas más o menos graciosillos, pero rara vez una conjunción de risa y emoción con la que algunos crecimos.

Noche y Día trae, ligeramente, algo de eso, y mola.

Recuerden Tras el Corazón Verde, es el tipo de película que me viene a la cabeza tras disfrutar Noche y Día. Conflicto de parejas, confrontación de géneros... Algunas escenas de Indiana Jones y el Templo Maldito, tal vez algo de Mentiras Arriesgadas... Es cierto que podemos nombrar pinceladas en alguna u otra película reciente pero Noche y Día, no le queda otro remedio, decide jugar esa rivalidad hombre-mujer como su única baza. Y casi siempre acierta.

Si las carreras de Tom Cruise y Cameron Diaz andaran por momentos más álgidos probablemente Noche y Día no se hubiera realizado. No hoy, al menos, porque es cine de otra época. Noche y Día es el último retazo de un cine de acción divertida, de una comedia adrenalítica, que hoy no se practica.

Así, esta película ochentera a más no poder existe hoy en día para lucimiento y renacer de sus dos estrellas principales, una vuelta de ambos al cine ligero en el que nacieron, un trabajo en el que deben habérselo pasado tan bien que ni siquiera les ha importado la cantidad de gilipolleces que suceden en Noche y Día, película honesta y sin pretensiones que por momentos resulta muy, muy divertida.

Pero de eso va la película, ¿no? de reírse un rato. Porque la parte de cine de acción, obviando los correctos efectos especiales y las escenas más o menos originales, Noche y Día tiene gracia única y sólamente por el cachondeo que se traen Cruise y Cameron en pantalla, tanto es así que cuando pretende convertirse en cine de suspense, en un thrillera lo Mission Impossible no es que fracase, es que directamente se hunde.

Con retazos, como digo, de un cine ya en extinción, el espía imposible que es Cruise seduce y manipula a la inconcebible mecánica que es Cameron Díaz, más tonta y simple que un lapicero, en un ejercicio que para mí pudiera rayar en un rancio machismo.

Sin embargo, fuera de un guión absurdo -¿cuántas veces habré escrito esta frase en este blog?-, Noche y Día intenta acercarse a un entretenimiento ligero y consumible. Y como Tom Cruise como pícaro graciosete y guapetón resulta ser bastante graciosete y guapetón, y como Cameron Díaz hace muy bien de tonta pero adorable niña mona, Noche y Día te hace pasar un rato divertido añorando aquel cine ochentero de Douglas y Turner en el que te reías tanto como te estremecían los sobresaltos.

Por cierto, he visto una entrevista en la que Cruise quita hierro al asunto de que hayan puesto los San Fermines en Sevilla, alegando que lo importante era que la película refleja sin duda la belleza de nuestro país. Como escritor no creo que fuese tan difícil que Noche y Día tuviera su ansiada persecución torera sin que la acción sucediese en Sevilla o sin que fueran los San Fermines. Como español empieza a preocuparme el respeto que Cruise muestra hacia nuestro país cada vez que se le pone en los cojones rodar en España. Y más me rayan los que se lo permiten.

Críticas: El Equipo A. Tán tata taaaán!

2010-09-15T22:50:00.004+01:00

Una tarde normal y calurosa de agosto, con media familia y alguna amiga en casa, decidimos cenar y poner una peli. Como no hay consenso entre comedia, pastel o terror -como siempre- me levanto y decido que leñe, hoy vamos a ver el Equipo A. Mirada torcida general, qué dices tío, si la serie ya nos tenía hasta la misma, cómo será la película. Pero no, esta vez no desisto, el Equipo A por mis santísimos. Y jolín qué acierto.

El Equipo A que ha perpetrado Joe Carnahan tiene de A bastante poco, la verdad, porque ni se alquilan para salvar vidas ni les persigue nadie todavía, pero sí cuenta la formación del Equipo. Quiero decir que el parecido con la serie de televisión es bastante sutil y prácticamente su interés se centra en cómo esos cuatro militares se agrupan y comienzan las andaduras que ya todos conocemos.

Admitiré que el Equipo A es una gilipollez de película, trama pillada por los pelos, actuaciones más bien reguleras y calidad cinematográfica casi nula, pero defenderé contra cualquiera que como entrenimiento y diversión pirotécnica es de verdad sobresaliente.

El famoso Equipo A que todos conocemos toma forma en la película de manera no sólo casual sino ridícula, con esa hortera y chabacana casualidad de los Rangers y bla bla bla, da lo mismo. Desde el rescate de Fénix hasta la huída en helicóptero -con destroce de un motorizado mito televisivo incluído- la presentación de los personajes no es más que una sucesión de carcajadas y adrenalina.

Hay que decir que desde ese comienzo queda claro que Bradley Cooper es el que mejor se lo pasa y el que más encaja con su papel y con la película.

Toda la trama posterior del robo de las placas de copiar dólares y de los militares con cara de malo desde su buenos días no es más que una excusa para poner al estos cuatro elementos al límite. Al límite de lo físicamente posible, con unos efectos especiales exageradísimos -como toca tratándose del Equipo A- pero solventes, y al límite del humor, con diálogos y escenas que inevitablemente nos recuerdan a la legendaria serie pero que a su vez la refrescan y actualizan.

La química entre Cooper y Liam Neeson es palpable y éste, aunque no me encajaba demasiado en el rol de Hannibal Smith, acaba por parecerme también acertado. Me han sorprendido para bien Quinton 'Rampage' Jackson y Sharlto Copley en dos papeles de los que creo se podía sacar más pero en definitiva todos consiguen un resultado homojéneo. Sí, estos cuatro pueden ser el Equipo A. La más floja es Jessica Biel, preciosa pero desubicada.

Lo que está claro es que no es tan mala como me esperaba y que no creo que pudiera ser mucho más brillante. Me lo he pasado muy bien con ella y por momentos ha conseguido sacarme la nostalgia a flor de piel. ¡Esa música!

Me ha molado este pre-Equipo A, a ver cómo continúa ahora que el lío está montado.

Pesadilla en Elm Street. El Origen.

2010-08-03T12:06:00.003+01:00

He oído y leído las burradas más fuertes sobre esta película, no sé de nadie que la defienda, pero tampoco creo que sea la peor de las basadas en Freddy Krueger. Creo, sinceramente, que jamás debió haberse hecho, que no aporta nada en absoluto al personaje ni a su saga y que presenta, para colmo, la versión más aburrida e indiferente de un mito que marcó la infancia y la adolescencia de un par de generaciones.

En una de las primeras apariciones del Freddy Krueger de Robert Englund, éste se corta un dedo que empieza a chorrear sangre verde antes de aparecer de nuevo. En general, cada aparición del señor de las pesadillas tenía tanto de Terror como de burla cruel hacia su víctima. El espectador esperaba su llegada porque sabía que aunque le fuera a poner los pelos de punta también le iba a arrancar una carcajada. Era divertido ver Pesadilla en Elm Street, no sólo por la matanza de jovenzuelos hormonados.

Pero en la nueva versión, en Pesadilla en Elm Street. El Origen, el único que parece divertirse es Michael Bay contando los billetes.

En Pesadilla en Elm Street. El Origen han mutilado de raíz la parte más genuina y carismática de Fred Krueger, ese humor negro y macabro que lo distinguía de maromos tuercebotas pero asesinos inmortales como Jason o Michael Myers. Apenas hay dos pinceladas de personalidad en la caricatura de cera que pasea Jackie Earle Haley durante esas dos horas por la pantalla. Un Freddy Krueger anodino, hipermaquillado, ¿realista? No lo sé, pero sin puñetera gracia.

Lo peor de la película no es que repita sin repetir lo mismo que ya hemos visto, que insista en explicar con detalle lo ya explicado a lo largo de siete películas sin aportar nada más que esa insustancial trama de pederastia que tampoco llegan a explotar -demasiado fuerte para la sociedad americana en una cinta que pretende hacer dinero-, con lo cuál se queda a medias de todo, en un limbo incómodo entre lo que ya estaba hecho y lo que no tuvieron huevos de hacer.

Porque podían haberse arriesgado y lanzado a la piscina, haber oscurecido del todo a Freddy, haberse vuelto locos en las muertes, haberse desmadrado, haber utilizado al máximo los efectos digitales y habernos presentado una muestra de horror sin tapujos. Pero no, como todo lo que toca Bay es una media mierda que no tira ni para un lado ni para otro.

Pero es que Pesadilla en Elm Street. El Origen ni siquiera copia bien lo poco que copia del original. Han dejado escenas míticas, como la de la garra en la bañera, en meros segundos sin emoción alguna, y han obviado secuencias insuperables -sobretodo algunas muertes memorables- para sustituírlas por otras rutinarias y sin maldito signo de chispa u originalidad en ellas.

Bueno, es que en general, las actuaciones de Freddy en Pesadilla en Elm Street. El Origen son bastante sosillas, desde luego. Por no hablar de la ridícula cadena de acciones y reacciones de los chiquillos. Ahora me lo creo, ahora no, aunque acabo de verlo, ahora estoy seguro de que sí, ahora es sólo tu imaginación, ahora me chuto adrenalina a lo burro pero me duermo igual...

Inciso: ¿Por qué Nancy es camarera en la primera escena y no vuelve a serlo nunca más? ¿Le dan vacaciones tras la muerte de Dean? ¡No jodas que la despiden!

Sigo: Samuel Bayer piensa que para aumentar el Terror lo que hay que hacer es ralentizar el ritmo. Otra muestra más de que para algunos suspense igual a tiempo bala. Los personajes en Pesadilla en Elm Street. El Origen parecen moverse a cámara lenta. Se acercan despacio a las puertas, cruzan los pasillos contando los pasos, revisan papeles sin ninguuuna prisa... Y como siempre para al final llegar al golpetazo sonoro y el sustillo previsible.

Pesadilla en Elm Street. El Origen es innecesariamente larga, innecesariamente aburrida y extrañamente superficial. El retaco en que se ha convertido Freddy Krueger, con su cara inexpresiva y su aspecto de momia de cera no asusta ni la mitad que ese Englund atestado de látex, desatado de puro reír y vacilar a los pringados.

El terror en Pesadilla en Elm Street. El Origen lo consiguen, como si fueran meros aficionados, sacudiéndonos efectos de sonido que nos indican cuándo hay que saltar. Intentan dar más entidad a los personajes, entendiendo por entidad más minutos en pantalla y el pasarse la película con caras como de estreñimiento constante. Y han creado una trama que una a todos los chavales implicados, lo que, aunque se sostiene con alfileres, al menos aporta algo de sentido a lo que en la primera parecen unos asesinatos indiscriminados y aleatorios de Freddy. Vamos, que diseñan un cuento a lo flautista de Hamelin con el que hasta pretenden poner en duda la culpabilidad o no del asesino... En fin.

Esa es toda la aportación medio pasable a una saga mítica que con este bodrio queda, para mi gusto, definitivamente enterrada. El ejemplo de cómo un remake millonario no garantiza, en absoluto, que se mejore al original. Lo mejor es que en el caso de Michael Bay, estos remakes suyos sólo sirven para llamar la atención sobre lo buenos que eran los originales. Esa parte se la agradezco.

Críticas: Re-Animator.

2010-08-02T15:56:00.005+01:00

Jolines cuánto tiempo, años, para ver esta película. Uno de esos clásicos del cine gore, serie B no, Z por lo menos, desfase visual, descerebrado y tontuno, que sólo sirve para echarse unas risas y perder el tiempo, vale, pero que tan difícil es hacer bien, tan bien como para que merezca la pena al menos perderlo.

Re-Animator es un clásico dentro de este tipo de cine. Dirigida por Stuart Gordon en 1985, se basa de lejos en los relatos de H.P. Lovecraft Herbert West: Reanimator y protagonizada por Jeffrey Combs en el papel del científico europeo que se traslada a la Universidad americana de Miskatonik y se pone a experimentar con la reanimación de los muertos. Y ahí se arma.

Una película con un presupuesto modesto y unos efectos especiales a base de plástico y litros de puré de todos los colores y que da sopas con onda a muchísimas superproducciones actuales que no consiguen la mitad de Terror ni diversión que este Re-Animator imposible.

Porque Re-Animator no sólo funciona, y muy bien, como comedia gamberra y como Terror chusco y viscerante, también esconde una crítica a las libertades de la ciencia, a la experimentación inconsciente y al fanatismo científico.

Es divertida como la que más, respeta perfectamente el género de Terror, del que bebe, desde luego, a pesar de las gamberradas exageradas que la acercan a la comedia, y ofrece un producto original y diferente, en el que se nota el entusiasmo, la frescura de sus responsables, y una creatividad a años luz de los productos hiperdiseñados y cortados por el mismo patrón de hoy en día.

La grata sorpresa que resulta descubrir Re-Animator hoy en día, 25 años después de su estreno, contrasta con los paquetes que pueblan nuestras pantallas, remakes, continuaciones, adaptaciones televisivas y algún petardo romanticoide. Las buenas ideas y las ganas de divertir parecen haberse agotado.

O sea, que la película con la que mejor me lo he pasado en el último año es Re-Animator. Me he reído, me he asustado, y he comprado que el cine basura, bien hecho, puede ser mucho menos basura que la mayor producción construída con dólares.

Críticas: Hierro.

2010-08-02T13:54:00.004+01:00

El suspense hecho en España, me cuesta hablar de Terror en cuanto al cine patrio, tiene la tendencia a ponerse el listón muy bajo, o tal vez a creerse más, mucho más, de lo que realmente es. Es increíble la capacidad que tenemos en este país de vender humo. En lo que se refiere al cine, vendemos humo como nadie. Hierro es un ejemplo.

Un tráiler interesante, misterioso y que despierta la curiosidad, una actriz solvente y un entorno más que propicio para la historia que van a contarnos. Todo lo que ofrece Hierro antes de entrar en la sala demuestra a las claras que lo mejor que tiene el cine español es una capacidad publicitaria cojonuda.

Qué buenos son los publicitarios españoles.

Porque una vez dentro de la sala Hierro es otra cosa completamente diferente. De la isla de Hierro sólo quedan algunos paisajes, que podrían ser de Hierro o de cualquier otra de las Canarias y que no tiene ningún tipo de peso o participación en la trama. La historia que nos cuentan es tan previsible y típica que en la primera media hora se pule todo el posible interés. De Elena Anaya, que sí, que es muy guapa, está claro desde el principio, sólo queda una sucesión de muecas de espanto, completamente desaprovechada dentro de un personaje que ni siquiera llega a arrancar.

Hierro es un ejemplo claro de cómo aburrir en el cine teniendo todos los medios y herramientas al alcance para hacer todo lo contrario. Uno de esos directores que opinan que crear suspense es igual a ralentizar el ritmo, a que los protagonistas se muevan despacio, a rellenar escenas vacías con imágenes fijas del mar o de planos detalle que no aportan nada, alarga una película que como mucho daría para un capítulo de alguna serie de sobremesa.

A María se le pierde el niño y se le va la pinza, eso es Hierro. Un argumento cortito, muy cortito, y un mínimo de misterio, estirado hasta la hora y pico, para lo único que da es para demostrar la escasez de buenas ideas y para que el personaje de Elena Anaya cometa las estupideces más grandes, las decisiones más absurdas y tenga las reacciones más incoherentes imaginables.

No tiene ningún sentido lo que sucede en Hierro. Tremenda vuelta de tuerca sin dirección en la que parece que para que surja una película de suspense o terror de esto hay que llevar a los personajes al límite, sin importar cuántas estupideces se cometan ni cuánto nos burlemos de la inteligencia del espectador con ello.

Niños que aparecen y desaparecen, justicia por su mano, policía inepta, alucinaciones, decisiones incomprensibles y encima, aburriendo cosa fina al personal. Menos mal que estaba Elena Anaya.

Crítica: Shrek, Felices para Siempre.

2010-08-02T12:56:00.004+01:00

Cuando el día de mañana haga el balance final de esta saga me pasará una cosa muy curiosa, y es que no sabré distinguir la dos de la tres y me habré olvidado de la cuatro. Recuerdo la primera entrega de Shrek (2001) como una de las películas con las que mejor me lo he pasado en un cine. Comprendí una secuela para dar continuidad a unos personajes que habían resultado ser un gran acierto e incluso para ampliar y descubrir nuevas incorporaciones. La tercera me pareció una gilipollez.

Shrek, Felices Para Siempre es el remate a una serie de entregas que, echando la vista atrás, jamás debieron hacerse. Una retahíla de chistes sin chispa, de bromas repetidas, de sorpresas previsibles que sucesivamente han ido mostrando una decadencia de ideas rozando en lo rutinario.

La baza de Shrek, Felices Para Siempre, como ya ha pasado en otras sagas a las que no se supo dar originalidad en sus continuaciones, es el reinicio, el reseteado. Cuando ya has contado todo o no se te ocurre nada gracioso con lo que seguir, vuelve al principio. Una amnesia, un sueño, lo que en los cómics conocíamos como el What if?, te sirve para recomenzar la historia, volver a introducir y presentar a los personajes que ya conocemos como si fueran nuevos.

En Shrek, Felices Para Siempre este truco manidísimo de guión es el salto a una realidad paralela de la mano del tramposo duende Rumpelstiltskin, que llevará al ogro verde a un universo alternativo en el que nunca ha existido, por lo que tendrá que volver a encontrarse con Asno, Fiona, Dragona, Gato con botas...

Vamos, un regreso a la primera película pero sin la chispa, la gracia ni la originalidad de aquélla.

Shrek, Felices Para Siempre presenta a un ogro agobiado por la vida convencional que ha llevado desde la segunda entrega. Niños, responsabilidades... todo lo contrario de lo que una criatura de su especie está acostumbrado a vivir. Ese pacto con el duende le servirá de escape y además, le dará la oportunidad, a lo ¡Qué bello es vivir! de aprender a valorar lo que tiene.

No encuentro ninguna gracia en el argumento ni en el desarrollo de Shrek, Felices Para Siempre. Tal vez me hizo reír un par de veces pero eso no es mucho más de lo que consigue un anuncio de Mixta con pingüinos intentando volar. La mayor parte de la película me resultó un rollo patatero de repetir el cliché, de olvidarse del humor ácido y suversivo -que fue lo que hizo a Shrek diferente al resto- y repetir un esquema previsible en el que creo que muy pocos no imaginaban el desenlace.

El acierto de dar entidad de líder a Fiona, tal vez, sea lo que pueda destacar. El único personaje que realmente es diferente en este mundo paralelo de como lo conocimos antes, el único, por tanto, que aporta algo a un más de lo mismo que por favor espero sea el último. Un ejército de ogros contra un ejército de brujas, es lo único que no habíamos visto antes.

Por fin llega el Tráiler de Thor!

2010-07-29T15:56:00.003+01:00

Teniendo en cuenta que se trata de mi superhéroe favorito, espero que Kenneth Branagh no me deje planchado y esta adaptación de Thor esté al menos a la altura de la calidad técnica y cinematográfica de las dos entregas del Iron Man de Robert Downey Jr.

Después de mucho esperar, con el inicio de la Comic Con de San Diego estamos recibiendo una catarata de imágenes, noticias y por fin tráilers de los diferentes proyectos que la Marvel va a ir estrenando a lo largo del año que viene.

Si el otro día podíamos ver una imagen de famili a de todo el equipo de Los Vengadores, con la primicia de Mark Ruffalo como el nuevo Hulk, y nos enseñaban el mítico escudo del Capitán América en una vitrina, ahora es el turno de una de las noticias más esperadas: el estreno del Tráiler de la ambiciosa adaptación de Thor.

Y para presentarnos su versión del Dios del Trueno no han escatimado en medios, un avance largo que conecta directamente con el guiño final de Iron Man 2, junto con un buen surtido de imágenes.

El tráiler de Thor no está todavía disponible para insertar en blogs externos, así que no lo he podido integrar aquí, pero merece la pena verlo en la web que lo ha publica, junto a las imágenes promocionales y más información.

Para visitarlo pulsa AQUÍ.

El Retrato de Dorian Gray. Pues no era tan mala!

2010-07-28T13:45:00.007+01:00

Afrontaba esta película un poco desilusionado por varios motivos. Primero, porque después de años y años todavía no he conseguido sentarme a leer la novela original de Oscar Wilde. Segundo, porque me cae como una patada en la entrepierna el caranena de Ben Barnes. Y tercero, porque las críticas y comentarios que había leído no eran precisamente positivos.

Una vez vista, qué digo, devorada la película, puedo afirmar que sigo sin haber leído la novela, pero las otras dos premisas han quedado aniquiladas. Ben Barnes se saca un buen trabajo de la manga, y El Retrato de Dorian Gray, desde luego, no me ha disgustado en absoluto.

Muchos conocemos El Retrato de Dorian Gray, o al menos su argumento, por el incesante goteo de referencias a la mítica novela que durante el último siglo ha calado la literatura, música, cine y arte en general universales. La historia del cínico aristócrata que se resiste a envejecer o padecer gracias al poder que le otorga su maléfico retrato, que es quien sufre las penurias del tiempo en su lugar.

El cuadro es así el reflejo de su alma, corrompida, podrida, una vez descubre el inmenso poder de que dispone. Dorian Gray es el reflejo de las bajas pasiones del hombre, de la libertad descontrolada, de la desinhibición completa. Oscar Wilde nos regaló la visión del hombre despojado de todas sus limitaciones. Un hombre inevitablemente vil y malvado.

En El Retrato de Dorian Gray, película que nos ocupa, el joven Ben Barnes se despoja del áura de guapetón juvenil narniana y se atreve a encarnar la duplicidad moral de este individuo. No es Pacino desde luego ni sienta cátedra precisamente, pero se expone sin miedo al ridículo enfrentándose a un personaje dual y complejo y sabe salir airoso, creo que no pasará a la historia como el mejor Dorian Gray pero realiza un trabajo notable.

La película, sin embargo, es de Colin Firth. Sobretodo en el primer acto de El Retrato de Dorian Gray, el pérfido Henry que dibuja Firth es de esos personajes que traspasan la pantalla. Con una mirada, una sonrisa, sabe convencernos, engatusarnos, llevarnos a su terreno. Entendemos gracias a él la transformación inevitable del joven Gray. Quién no caería en el lado oscuro de la mano de este lord oscuro.

Friki metáforas aparte, El Retrato de Dorian Gray empieza mostrando al joven buenazo desembarcado en un Londres decadente, nos arrastra por la caverna que engulle su alma y nos empuja a las llamas que finalmente la devoran. Y todo con un ritmo y una belleza visual que me ha sorprendido especialmente.

Me ha gustado bastante esta versión libre de Dorian Gray, me ha inquietado más que muchas películas actuales que alardean de Terror y me ha interesado mucho más de lo que esperaba. Estoy pensando buscarme un retratista...

Críticas: Tensión Sexual No Resuelta.

2010-07-27T17:56:00.007+01:00

Tenía muchas ganas de ver esta película, desde que vi el tráiler en el cine hace meses, pero resulta que en Lanzarote los dos cines que hay prefieren duplicar las salas de This is it o Prince of Persia que diversificar la oferta. Por fin la he podido pillar y he de decir, que sabiendo a lo que iba, no he podido reírme más alto.

Tensión Sexual No Resuelta es una comedia coral, de las que podríamos calificar como descojone que lo flipas, en la que cabe desde el chiste más chabacano al más mordaz, clavando unos personajes con los que cada uno podrá identificarse y dejando más de una píldora de sátira mordaz por el camino.

En Tensión Sexual No Resuelta encontramos el típico enredo de parejas que tan bien hemos sabido explotar en los últimos años -el recuerdo a El Otro Lado de la Cama es inevitable-, pero en mi opinión mucho más sofisticado, profundo y puñetero que en otras ocasiones. El director nos propone un lío de dimensiones espectaculares, de espionaje y contraespionaje, de dardos envenenados y mucha, mucha mala leche.

El argumento gira entorno a la dulce Celeste, que a un paso del altar descubre los sabores de la mala vida, de mano de un fausto maquiavélico y sensual, la escritora Jazz Romero. Celeste dejará a su novio, el profesor universitario y sobrio Juanjo, acosado por la golfa de una de sus alumnas, para zumbarse al heavy del Nardo. Para descubrir la verdad Juanjo se deja chantajear por el cabronazo de Nico, y todo se enredará hasta que uno deja de tener tan claras las intenciones reales de cada personaje.

Para empezar, el guión de Tensión Sexual No Resuelta está muy bien pensado. No digo que sea El Padrino II, digo que está muy bien rematado. Nos deja ver lo que quiere mientras nos entretiene y nos hace reir en un buen puñado de ocasiones, algunas previsibles y otras de aplaudir con las orejas, pero todas divertidísimas.

Pero donde creo que reside el triunfo de Tensión Sexual No Resuelta es un grupo de actores que se mimetizan con sus personajes, y unos por oficio y otros por rebelarse y hacer el gamberro, sencillamente están sublimes.

Si sólo destaco a Salomé Jiménez o a Norma Ruíz, estaría siendo injusto con el doble papel de Fele Martínez, los tres están sublimes. Pero ojo, el único que se eleva por encima del Nardo descojonante de Miguel Ángel Muñoz es Adam Jeziersky y ese Nico impresionante, divertido y arrebatador. Chaval la peli es tuya.

Entre escenas picantes -Amaia Salamanca se burla de su propia imagen en un par de escenas impresionantes- y piezas de humor descacharrante -Joaquín Reyes vuelve a hacerlo-, Tensión Sexual No Resuelta es una peli para ver varias veces, para echar unas risas con colegas y sobretodo para quitarle hierro a la vida. Da mucho más de lo que parece a simple vista, nada de adolescentes hormonados, nada de American Pie ni Mentiras y Gordas. Tira la caña con bastante buen ojo y busca un público cómplice y adulto que pille las no pocas referencias y sepa de qué le están hablando.

No me voy a saltar la oscura y deprimente reflexión que, aunque sea de forma velada, Tensión Sexual No Resuelta arroja sobre el amor, las relaciones y la dependencia de unos y unas hacia los demás. Interesante punto de vista, tan real como cada uno quiera admitir, sobre cómo el amor nos vuelve gilipollas.

Críticas: La Herencia Valdemar.

2010-07-27T16:47:00.004+01:00

Como mi relación con Lovecraft es la que es, y cada vez que quiero acercarme a él acabo, no sé por qué, leyendo los mismo relatos y a menudo casi rogando porque avancen esas páginas incomprensibles -nunca he disfrutado más con Lovecraft que leyendo La Llave del Abismo, de JC Somoza-, me acerqué a La Herencia Valdemar, mezcla de algunos de sus relatos, con interés.

La Herencia Valdemar es una película de ¿Terror? española. Vale, ya, no dejes de leer por eso. Es española y además aburrida. Jo, espera, dale una oportunidad. Es española, aburrida y está mal interpretada, por no hablar de inconclusa, puesto que espera una segunda parte que estará al caer.

¿Sigues ahí?

La Herencia Valdemar cuenta cómo una agencia de tasación o subastas o lo que sea, recibe el encargo de tasar la mansión Valdemar, que no se sabe, pero debe llevar la tira deshabitada. Han enviado a uno de sus agentes para hacer la tasación pero no ha regresado, así que ahora mandan a otra a que termine el trabajo y de paso averigüe qué le ha pasado al anterior. Cuando ésta tampoco da señales de vida, envían a una especie de detective para que esclarezca por fin el misterio de esa casa. Primero averiguará su pasado. Durante mucho, mucho rato.

Con una primera media hora mal interpretada -la mayoría de los actores, en especial Silvia Abascal, parecen recien sacados del instituto robótico de dicción e interpretación shakespiriana-, pero que al menos presenta cierto misterio y algún sustillo gracias especialmente a la espléndida localización que, como casi siempre, resulta ser una casa abandonada, el resto de la película, y nos ponemos en una hora larga es un tremendísimo coñazo.

Óscar Jaenada, casi convertido en el Dean Corso de La Novena Puerta, es el detective encargado de contactar con los gestores del legado de Don Lorenzo Valdemar y de paso joder la película.

Porque por algún motivo, y no creo que económico porque rodar este paquete en dos partes no les va a dar precisamente más dinero, los responsables de La Herencia Valdemar deciden que la trágica y demoledora historia del matrimonio -estafador chapucero y curiosamente a la vez cuidador de niños, hay que ver, y no quiero hacer sangre con un guión completamente absurdo- nos interesa muchísimo más para entender los posibles sobresaltos que sucedan a Silvia Abascal en la casa.

Así, La Herencia Valdemar se convierte en un lento, aburrido y estupido flashback, cargado de anacronismos y de situaciones incoherentes en el que no pasa absolutamente nada. Lo más interesante, que podrían ser las sesiones de espiritismo barato, se resuelve con un voz en off de un plumazo y el resto es un pestuño de telenovela de sobremesa que ni viene ni va a ningún lado y que perfectamente podían haberse ahorrado poniendo a un personaje actual a explicarlo.

¿Qué pretendían alargando La Herencia Valdemar de esta manera? No lo sé. Dar miedo seguro que no, intrigar, tampoco, ganar más dinero, no por Dios. 13 millones de euros, sin subvención, como tanto repiten, ¿para esto? Uy...

No le veo ni pies ni cabeza a La Herencia Valdemar. Es malísima. Y se parece lo que un culo a una castaña al estilo de Lovecraft. Tanto dinero en producción, diseño, vestuario, ambientación... Pues no se nota. No se le consigue sacar partido al goticismo en ningún momento, más parece una reunión de amiguetes disfrazados de época.

Así que no es que me joda precisamente esperar a la segunda parte para averiguarlo. Se estrenará en cine gracias a Sitges, a la ley de cuota de pantalla y bla, bla, bla. Pero no creo que mucha gente se desviva por verla. Diría que me sorprenden las críticas positivas que he leído, pero no, por desgracia, una vez más, no me sorprenden... Así nos va.

Eso sí, unos títulos de crédito geniales. El que mejor ha currado es el informático.

Críticas: Báthory, Condesa de Sangre.

2010-07-27T13:31:00.008+01:00

Me acerqué a esta película por mi fascinación hacia el mundo de los vampiros. Quería conocer desde hace tiempo a este legendario y oscuro personaje, y entre que me decidía a investigar o no, a leer o no sobre ella, apareció Báthory, Condesa de Sangre y dije, mira, el camino más corto. Menudo error.

Según Wikipedia, Elizabeth Báthory, fue una aristócrata húngara de finales del siglo XVI a la que la leyenda atribuye tremendos crímenes de brujería para los que utilizaba la sangre de las doncellas de su castillo. Es muy interesante leer la biografía de uno de los personajes más carismáticos y oscuros de esa época en la Europa del Este.

Báthory, Condesa de Sangre, la peli que nos ocupa, intenta recrear los hechos históricos conocidos de Erzsébet Batory, desde su matrimonio con el aristócrata Ferenc hasta su declive y decadencia. No dudo que llega un momento en la cinta en que se le va la pinza y empieza a mezclar churras con merinas, pero de entrada no parecía un mal punto de apoyo más o menos histórico.

Lo que sucede es que Báthory, Condesa de Sangre, es tan tremendamente lenta y aburrida que resulta sencillo olvidar que estamos viendo la biografía de un personaje de Terror. De hecho, pese a la tensa actuación de la guapísima Anna Friel, la película pasa lánguidamente por nuestras pantallas sin hacernos suspirar siquiera. Bueno, tal vez de sueño.

Rodada en unos espectaculares decorados que recrean castillos de la época, decide alejarse del personaje real para internarse en la carnaza esotérica y terroríca de la condesa legendaria, pero ni en esos momentos de supuesto Terror Báthory, Condesa de Sangre, roza el aprobado.

Me quedo con las ganas entonces de aprender más sobre este personaje fascinante, por suerte hay un sin fin de literatura y cine al que acudir para ello. Un personaje al que descubrir, y por qué no, incluir en una posible novela.

Especial Elm St: La Nueva Pesadilla de Wes Craven.

2010-07-27T12:25:00.003+01:00

Justo a punto de meternos a ver el remake que de Pesadilla en Elm Street ha perpretado Michael Bay, terminamos en Desde el Sótano el especial monotemático que con tanto cariño y mucha nostalgia nos ha llevado por las diferentes películas de esta mítica saga. Se queda descolgado Freddy vs Jason, pero no perdemos mucho, ni siquiera sé a cuál de las dos sagas que junta hace más daño.

Corría el año 1994 y el supuesto final que Rachel Talalay había dado a Freddy tres años antes en La Pesadilla Final: La Muerte de Freddy había quedado como un oscuro borrón, 3D chapucero mediante, y cierto regumello por no haber dado a la saga un final más a la altura del personaje.

En estas que llegó Wes Craven, cual caballero andante con aburrida armadura, y justo diez años después de dar a luz a Freddy Krueger, regresa a la franquicia para, supuestamente, enterrarlo.

La Nueva Pesadilla de Wes Craven mezcla el agostado y envejecido personaje que ya no da miedo a nadie con un curioso ejercicio de "cine dentro del cine". Gracias a una idea rocambolesca, de estas que sólo se te ocurren en la barra de un bar, a medio palmo de caerte del taburete, Wes Craven se saca de la manga el concepto de Mal, así como nombre propio, de la Entidad malvada de la muerte que a lo largo de los siglos sólo ha existido para putear al ser humano.

Así, tirando de paralelismos incomprensibles como el genio de la lámpara -¿ese no concedía tres deseos?- nos propone que Freddy sería la personificación de ese Mal, y que una vez terminadas las películas sobre su personajes, queda libre para hacer lo que le dé la gana. En este caso, seguir haciendo lo mismo que hacía antes pero en el muno real, porque les ha cogido cariño al gorro y la garra de cuchillas.

El caso es que nos tenemos que tragar que Freddy salta una vez más al mundo real, esta vez real del todo, y se pone a torturar a la propia Heather Langenkamp (Nancy en el original) porque como ella fue la primera que le derrotó en el cine... no será libre hasta que la venza. En serio, este es el argumento, que no me lo invento...

La Nueva Pesadilla de Wes Craven no es más que un fracaso absoluto, uno de los truñacos más gordos dentro de la saga porque además se salta la saga a la torera. Es una película de Freddy sin Freddy, porque éste está más presente en las conversaciones que en la pantalla. Es una película de Terror decayente, donde los esfuerzos de Craven se centran más en crear tensión, en inquietar, pero eso no es Pesadilla en Elm Street, para eso ya hay otras películas.

La Nueva Pesadilla de Wes Craven se reviste de entidad y madurez, pretende llevar a Freddy a un mundo más adulto, donde los niñatos carne de cañón de antaño han crecido y tienen hijos -patético todo lo referente al hijo de Heather, no sé cómo le dejaron actuar tan mal-, pero lo que consigue con ese tono sombrío es aburrir hasta a las ovejas. Las únicas buenas ideas de da la cinta se juntan en los últimos 20 minutos y ni siquiera completos.

Para colmo, Freddy. Gordo, mal maquillado, con una garra ridícula que ya no es un guante sino una especie de amasijo de músculo y huesos terminado en cuchillo, y ni rastro de su irónico humor negro, marca de la casa. Para terminar, me resulta especialmente triste que siendo la última de las peículas, habiendo recuperado a Craven y gran parte del reparto original, habiendo nacido para ser un digno cierre a la saga, tenga los peores efectos especiales con diferencia de toda la franquicia, un desastre de proporciones ridículas que dan vergüenza ajena.

Y así, con el enésimo final de Freddy, terminaba, de momento, la Pesadilla en Elm Street. Hasta que el hechicero sin escrúpulos Bay decidió resucitarla y... veremos.

Críticas: The Crazies.

2010-07-15T19:50:00.005+01:00

Hoy en día, tal y como está el cine, hablar bien de una película resulta más complicado que ponerla a caer de un burro. Parece que si una peli te ha gustado debes justificar los cómos y por qués más aún que si te ha parecido un cagarro. Eso me pasa al sentarme a hablar de The Crazies, tengo la sensación de necesitar casi pedir perdón por recomendarla.

The Crazies es un remake de una antigua película de George Romero que como no he visto no puedo comparar. Así que me centro en lo que he visto y expongo lo que me parece. Y The Crazies no sólo me ha parecido digna y bien hecha -sin ser un desfase en cuanto a perfección narrativa, pero bueno- sino que además me ha satisfecho mucho más que cualquiera de "las de Terror" que haya visto últimamente.

Es una película curiosa esta The Crazies, cinta que, según avanzaba, me iba dando la sensación de tomar prestadas no pocas referencias, casi todas acertadas, y que hasta en el tratamiento de los topicos (topicazos, algunos) y casualidades, por lo visto inevitables, típicas de los guiones de Terror del Hollywood actual, me parece que aprueba con nota.

The Crazies es una más de esas películas de la América profunda, la del pueblo de palurdos, pequeño, cerrado y simple, dónde todo se desmadra de repente. Su primera parte tiene un toque Tiburón que me ha encantado, con ese policía intentando contener una amenaza súbita en contra de las autoridades locales. También se mueve por El Pueblo de los Malditos, La Niebla y tantas otras. Tiene ramalazos de Stephen King y sus novelas más locales. Y un importante zumbido a cine Zombi que no termina ni de arrancar ni de desvanecerse, lo cuál también me ha convencido.

Porque The Crazies se acerca más a 28 días después que a El Amanecer de los Muertos Vivientes, por ejemplo. La infección está mejor justificada, tratada de un modo que hasta parece serio y los enfermos no se comportan como bestias inmundas de la noche a la mañana.

En este sentido la amenaza de The Crazies me ha sonado a mucho más real que en otras ocasiones, tal vez sean cosas mías. Y a ello a contribuído no sólo un muy buen guión -con sus lagunas, qué le vamos a hacer, casualidades "atajo" para no complicarse la vida a la hora de conseguir un susto o evitarlo, y alguna cagadilla, pero pasable-, sino que me ha gustado especialmente el diseño de los tres personajes principales.

Radha Mitchell, reina del Terror reciente desde aquella aparición reveladora en Pitch Black o en la más reciente Silent Hill, no tiene tanto peso en la historia finalmente como apuntaba al principio, y es una pena. Y es que el meollo de The Crazies lo desmadejan los dos policías. Timothy Olyphant, al que no tengo demasiado afecto pero que en este caso debo alabar su perfecta integración con el personaje del sheriff. Y el joven Joe Anderson, que tanto sirve para caer bien como para parecer un gili integral y hasta dar miedo. Muy bien los tres.

En definitiva, The Crazies me ha gustado. Me ha hecho saltar un par de veces y tiene varias escenas de puro Terror muy destacables. Pero por encima de todo, me ha parecido tan respetuosa con el género y el público -nada fácil por lo que vemos hoy en día- que me he animado a perdonarle algunas piruetas en el guión que podían haberse ahorrado, o trabajar un poco más, sobretodo en el tramo final.

Un final, por cierto, un irónico desenlace que podría encajar en cualquiera de mis relatos. Jeje.

Juegos de Terror: Silent Hill

2010-07-13T18:41:00.005+01:00

Nuestro blog cumple como tal poco más de dos años. En su origen, era un blog destinado a mis tres grandes pasiones: el cine, la literatura y los videojuegos -la música y las mujeres están muy por delante de ellos, necesitaría más que un blog para analizarlas y, bueno...-, un lugar donde comentar lo que me gusta y lo que no. Pues bien, siempre fui aplazando el ponerme a hablar de los juegos porque, a diferencia de un libro o una película, suelen ser tan largos y complejos que recordar las impresiones que me causaron es tarea muy, muy difícil.

No empecé del tirón con el más importante, para mí, de ellos, Silent Hill, porque primero tuve la intención de hablar de los videojuegos que me han gustado en orden cronológico de su publicación, no sé por qué me dio por esa tonteria, y pretendía empezar con Alone in the Dark, como suerte de origen de los juegos de Terror. Pero qué va, cada vez que pienso en empezar esta sección mi mente tira irremediablemente hacia el videojuego que me abrió las puertas, me encendió las luces y me volcó en la escritura: el grandísimo Silent Hill.

¿Cheryl? ¿Is that you, Cheryl?

Como sabéis este no es un blog de crítica sesuda, vamos, que ni soy crítico ni mi criterio debe importaros un bledo, sólo doy opiniones de lo que me han parecido las cosas, opiniones que demasiado a menudo tienen que ver más con mi estado de ánimo, me temo.

Recuerdo haber "pirateado" el Silent Hill, el primero, cuando a la Play 1 todavía se le podía trucar el chip o no sé qué, y haber pasado las horas más emocionantes, tensas y divertidas de toda mi vida delante de una pantalla y con un mando en las manos. No lo he vuelto a experimentar ni con otras secuelas de la saga, probablemente mejores.

Ya conocía los juegos de Terror pero no me esperaba el latigazo de pavor que me transmitió este juego, este Harry Mason solitario deambulando entre la bruma en busca de su pequeña hija perdida. Recuerdo el haz de luz de su diminuta linterna, sus jadeos al correr, su taconeo en medio del silencio... Hasta que los ladridos alocados lo interrumpen.

En el primer Silent Hill Harry es un tipo que tras sufrir un accidente de coche despierta y descubre que su hija Cheryl ya no está a su lado. Siguiendo el único camino que la carretera le permite, entrará en un pueblo oscuro, silencioso, aparentemente abandonado, donde tras cada esquina y tras cada puerta se esconde el mayor de los peligros.

Recuerdo cómo Silent Hill me tenía atrapado simplemente con su atmósfera, sólo con ese halo de perfecta película de Terror, con esa banda sonora sublime y espeluzante. Recuerdo haberme enamorado perdidamente de la rubia agente de policía -¿cómo puedo haberme olvidado del nombre precisamente ahora?-, pero desde luego me conquistó cuando tras determinado giro de guión el mundo se convierte en inframundo y comienza la verdadera pesadilla.

Ese cambio de escenario, de realidad, que introdujo en los juegos de Terror Silent Hill no sólo duplicaba sus posibilidades, ofreciendo Pánico visual y objetivo a un título que hasta entonces basaba su genio en la tan lograda ambientación y en el miedo más psicológico que verdaderamente físico. Conseguía, además, enriquecer de un modo inigualable las posibilidades creativas en cuanto a los personajes a introducir, a los efectos visuales, a la complejidad de los puzles.

Silent Hill fue puesto a la venta en 1999 y ha tenido muchas secuelas y una película. No he dejado escapar ni unas ni otra y siempre he quedado satisfecho. Ahora bien, puedo decir con orgullo, y que no se atienda a la cursilería, que las muchísimas horas pasadas a oscuras en el suelo de mi habitación, con la espalda contra la cama y el corazón palpitando en la garganta, cambiaron mi vida.

Cada vez que alguien quiera escribir un relato o novela de Terror y no encuentre el tono, que juegue al primer Silent Hill. Si consigue llegar a la mítica fase del Tiovivo... Tendrá media novela escrita.

Críticas: Solomon Kane

2010-07-12T20:16:00.004+01:00

Espada y Brujería... Cuánta bazofia cabe entre estas dos palabras. Después de una época horrible para el fantástico, incluyendo sodomías tales como la adaptación de Dragones y Mazmorras, empiezo a pensar que uno de los géneros más prolíficos e inagotables, al menos en lo referente a literatura, rol o videojuegos, está finiquitado para el cine.

Y no es que Solomon Kane sea una mala película, lo digo desde el desconocimiento total del cómic en el que se basa y que intentaré conseguir, es que quitando algunos minutos de verdadera acción y magia por todos lados, el resto es un peregrinar manido e irrelevante por el lado más soso y triste de un personaje del que sin duda se puede sacar mucho más.

No me ha quedado claro si Solomon Kane es un mercenario, un bandido, un capitán pirata. No sé por qué empieza peleando contra demonios pero en realidad parece malo pero no lo es, es que el mundo lo ha hecho así. No sé por qué le largan los monjes al carajo, si no hace ni ruido allí, y no sé por qué matan a los peregrinos para robar a una pava que luego en verdad no la querían más que por ser virgen, que ya es reviro de mierda en este guión que firmaría un niño de seis años que haya visto, eso sí, las más típicas películas de este estilo.

Porque desde Conan al Señor de las Bestias pasando por tantas y tantas profecías, maldiciones y brujos de distinto pelaje, nunca nos habíamos encontrado con un chaval que sobreviva a la caída de un acantilado y encima crezca de tamaño y musculatura, se convierta en medio brujo y reparta unas castañas increíbles.

En poco más que en eso y algún demonio encerrado en un espejo, no se sabe por qué, resida la Espada y Brujería de Solomon Kane, película que roza el aburriento y sólo por la adrenalina final escapa de él, aunque no del delirio casi ridículo.

Aún así, como pretenden convertir el personaje en una saga -lo llevan crudo-, igual tendremos más oportunidades de averiguar más de este héroe-antihéroe que no tiene poco potencial.

Críticas: Whiteout, bodrio en la nieve.

2010-06-26T19:41:00.004+01:00

Lo más interesante de esta película, Whiteout, es que tiene lugar en un paraje tan inhóspito y desconocido como es la Antártida, un punto de originalidad que a priori presenta unas cuantas buenas ideas para una peli de Terror, como es la soledad, la falta de visibilidad debido a las tormentas de nieve, etc. Pero a su vez estos aciertos, por sí solos no sirven de nada.

Evidentemente desde este blog siempre apoyaremos todo lo que haga Kate Beckinsale, desde aquella lejana adaptación de La tabla de Flandes de Pérez Reverte hasta un anuncio de Hemoal, si quiere. Es una mujer preciosa y como actriz sólo tiene la pega de elegir habitualmente con el culo sus papeles. Pero hasta eso le perdonamos.

En Whiteout interpreta a una U.S. Marshall encargada de la seguridad en una solitarísima estación científica en la Antártida, a los cinco minutos nos regala un "desvestimiento" gratuito y el resto de la película sólo corre, pone cara de miedo y a veces frunce el ceño, cuando hace como que descubre una pista importante para resolver el misterio.

Porque Whiteout es sólo eso, un enorme misterio que ni el guionista parece tener el menor interés por resolver. Una vez agotadas todas las posibilidades terroríficas de una base deshabitada y de las tormentas de nieve, parece que la falta de visibilidad afecta también a director y actores, que no parecen tener muy claro qué tipo de película quieren.

Whiteout tiene tanta acción, tanto misterio y tanta tensión, en cada maldita secuencia, que llega un momento en que el espectador se acostumbra a que todo sean sustos falsos, pistas falsas, culpables falsos.

El verdadero malvado, y por tanto el final, de Whiteout está tan claro, por previsible, como esa nieve costante conque nos emborronan la pantalla todo el tiempo en un ejercicio de pericia visual que más que un truco para crear suspense parece un truco para ahorrarse pasta en decorados.

Es una pena, porque las posibilidades del exceso de claridad en el Terror parecen en un principio tantas como la oscuridad absoluta, pero son muy pocas las veces en que en Dominic Sena las aprovechada. El complot o motivación del villano es tremendamente estúpido y la manera de descubrirlo otro tanto, previsible y rutinario, vamos, como en general el cine de Terror hoy en día.

De todos modos, tampoco es para tirarla a la basura. Quizá vosotros le encontréis más interés que yo.

Primer avance de 'Los Pitufos'

2010-06-17T22:53:00.007+01:00

Este es un blog de Terror y pocas noticias me han causado más Terror recientemente que la puesta en marcha de este proyecto, Terror que se ha convertido en indigestión cuando he visto la primera imagen oficial y el tráiler de 'Los Pitufos'.

Es que el tema está más que trillado, es que estos bichos azules no dan para una película, mucho menos si pretenden ahorrarse un pastizal y en lugar de hacernos disfrutar del mundo de 'Los Pitufos' -por poco que se pudiera disfrutar de un entorno completamente digital, vamos, de una peli de animación- deciden situarlos en nuestro mundo, por supuesto en Nueva York, y hacer una peli más de lo mismo.

El rollo de personajes estrámboticos sacados de su contexto lo han utilizado tantas veces que ya no es que deje de resultar interasante o gracioso, es que directamente apesta.

La adaptación de esta mítica serie de dibujos va a contarnos cómo el malvadísimo Gargamel expulsa a los pitufos de su mundo y estos acaban dando vueltas por la Gran Manzana. Ignoro si se pararán a hacerse fotos, si pasearán por Central Park o si visitarán la Estatua de la Libertad, lo que parece, a parte de que no hay más ciudades en el mundo, es que tienen mucho que visitar porque a partir de esta originalísima y sorprendente idea pretenden rodar una trilogía.

'Los Pitufos' nos llenarán de voces de pito y muñequitos de burguer en agosto del año que viene. Qué alegría.

'Psicosis' cumple 50 años.

2010-06-16T17:57:00.001+01:00

No es la mejor película de Alfred Hitchcock , ¿saben? Por lo visto no. A mí me da igual lo que digan los críticos, eso está claro, todos saben más que yo y habrá cosas y trucos y trampas y fallos que hagan de Psicosis una obra menor de lo que el imaginario colectivo tiende a calificarla. Quizá la aureola, la potencia de sus escenas míticas envuelvan nuestra percepción y nos hagan fabricar ídolos que demuestran tener pies de barro cuando los sometemos a un visionado frío y sesudo, como el que sin duda realizan los críticos.

Pamplinas. Psicosis es, por mucho más que por su calidad fílmica, una obra maestra.

La pantalla se pinta de negro, que dirían los Rolling, y junto a unos rótulos que acuchillan horizontalmente nuestras retinas empieza a sonar una partitura esquizo que acuchilla también nuestros sentidos. Media hora después la protagonista principal está muerta, con dos cojones. Empieza de nuevo la película, personajes nuevos, trama nueva. Una hora después todo lo que creíamos verdad era mentira.

Por el camino, nos replanteamos seriamente dejar sin pasar el pestillo del baño antes de irnos a la ducha, o pararnos a dormir en cualquier motel de carretera.

Psicosis cumple cincuenta años y aquel que no la haya visto tiene la obligación de acercarse a ella, que no les eche atrás su edad, o el blanco y negro, truco obligado para que la censura permitiese en pantalla la cantidad de sangre que Hitchcock quería tirarnos encima. Y un hurra por la torpe censura americana, porque ese blanco y negro convierte en artística una fotografía mítica.

La enamorada Marion Crane -hormonada hasta ganarse un pan de hostias- decide huir de todo cuando su jefe le pone en la mano un fajo de billetes para que conserve a buen recaudo. Ella piensa a buen recaudo mi buchaca y se pira con él tan lejos como su inteligencia de lectora de novela negra y su capacidad para pensar mil situaciones mientras conduce le permita. Hasta que acaba pasando la noche en el Motel Bates.

Pasar la noche, claro, es contarle a Janet Leigh unas cuantas horas más de vida de lo que Hitchcock le concede.

Bien, hasta ahí, la película empieza coñazo, continúa lenta pero ascendiendo y de repente tenemos una casa chula en lo alto de una colina. Y tras esa figura femenina al trasluz de una ventana se esconde un renacer, el momento más álgido y nunca superado del cine de Terror de todos los tiempos.

Todo autor de novela, director de cine, contador de historias de miedo sueña con narrar una escena tan terrórifica o más que esa ducha de Psicosis. El que lo consiga, simplemente, será un Dios.

A partir de esa silueta, de esas cuchilladas, de esa música infernal, de ese ojo al girar y de la sangre por el sumidero se han escrito tantas cosas, se han trabajado tesis enteras, que qué voy a decir yo. Obra maestra. Y punto. ¡Y sólo en media hora de película!

Sin embargo, como fan del Terror me gusta mucho más la película que empieza ahora y que protagoniza Vera Miles. La investigación, el misterio, la dura realidad, me resulta mucho más compleja e interesante que ese primer acto que culmina con la escena más famosa del género.

La muerte desde lo alto de la escalera me resulta mucho más terrorífica que la ducha, la revelación en el sótano, sencillamente magistral, el colofón, a media sonrisa de hijoputa de Anthony Perkins, directamente brutal.

Psicosis no es la mejor película de Hitchcock, por lo visto. Burda, tramposa y de telefilm, he oído. Pero pregunten a cualquier fan del Terror cuál es la primera película que recuerda, la primera que le metió el gusanillo del miedo por la pernera del pantalón. Pregúntense, cuántas películas nos dan tanto miedo sin que recurran a fantasmas, monstruos, zombies o asesinos imposibles de matar.

Pregúntense si alguna vez han visto una película más impactante que Psicosis, y si es así, recomiéndenmela. Porque Psicosis es, para mí, la mejor película de Terror de la Historia.

Especial Elm Street: Pesadilla Final: La Muerte de Freddy

2010-06-13T13:25:00.004+01:00

La Pesadilla Final, decían. La Muerte de Freddy. Así anunciaron este sexto capítulo de una saga que agonizaba de manera ruidosa y decadente, una saga que de tantos bandazos y muchas zozobras había caído en la rutina, la cutrez y sobretodo el aburrimiento. Los fans de Freddy Krueger empezábamos a bajar los brazos viendo que nuestras pesadillas dejaban de darnos miedo.

La indiferencia, el cansancio, se notan ya en esta entrega, La Muerte de Freddy, que en la búsqueda de rizar el rizo afronta un encaje de bolillos, vuelve a convertir a Freddy en un monigote al que se puede sacar de los sueños cuando se quiera, manipula el entrar y salir de las pesadillas de los demás como si fuera tan sencillo y, eso sí, se vuelve a cargar a un buen puñado de niñatos de las maneras más retorcidas, y ridículas, posibles.

Pocas muertes, poco Terror, en esta Pesadilla Final, invento que los estudios idearon para cerrar una saga a la que ya no sabían sacarle partido, con la doble intención, además, de que el subtítulo La Muerte de Freddy llevara espectadores y curiosos al cine en masas.

A pesar de todo lo narrado en las entregas anteriores, resulta que Springwood se ha quedado vacía de niños. El último superviviente, no se sabe bien a cuento de qué, es un chaval que se resiste a dormir para no soñar con Freddy, y que acaba rebotado en un orfanato, psiquiátrico, residencia de chalados, junto a una pintoresca pandilla de inadaptados y dos doctores que, casualmente, son expertos en trastornos del sueño.

Deciden hacer una oportuna excursión por Springwood -no había otro sitio- y tras muchos sustos, sueños y un par de muertes, descubren que Freddy Krueger tenía una hija y de paso cómo matarle.

Pesadilla Final: La Muerte de Freddy tiene algunos puntos que considero muy favorables. En primer lugar, el ambiente, el clima, en especial en exteriores, es realmente aterrador, muy bien diseñado, incomoda y da miedo. Después, algunas muertes, en especial la del chico sordo, son brutales, grandes aciertos, con Freddy otra vez aprovechando los puntos débiles de sus víctimas. Y por último, los diferentes flashbacks que muestran la infancia, adolescencia y en definitiva el pasado de Krueger, muy bien planteados y realmente reveladores.

Puntos en contra, todos los demás. Un más de lo mismo, una repetición de estructuras, una muerte de videojuego realmente absurda y la gilipollez ya vista de agarrar fuerte a Freddy para sacarle del sueño. En fin, pensaban cerrar la saga por todo lo alto y tuvo que venir Wes Craven al rescate.

Críticas: Kick-Ass. Pos fale, pos m'alegro.

2010-06-08T10:36:00.004+01:00

Tal vez me haya pillado en un mal momento, con la cabeza en demasiadas cosas y poco tiempo para centrarme en una película, pero precisamente puse Kick-Ass para que me ayudara a desconectar, a echarme unas risas, para ver una historia diferente, un enfoque original sobre los superhéroes -vamos, lo que nos han vendido- y pasados los días esas risas todavía las estoy esperando, la historia no es más que un truñaco de venganzas personales, más que previsible, y el enfoque original, bueno, me hizo gracia al principio.

El caso es que Kick-Ass se está evaporando de mi memoria tan rápido que si no escribo este post ahora es probable que esta tarde no recuerde ni el argumento.

Anodina, Kick-Ass me pareció trivial, aburrida incluso. No dijo nada en todo el metraje excepto la enésima reiteración del adolescente yanki, o la visión que en Hollywood tienen de él: perdedor, pajillero, sin futuro.

Bueno, igual así son ellos. El caso es que uno de estos pringaos de toda la vida decide ponerse a trabajar de superhéroe. Y me hizo gracia su primera aventura, y la somanta de hostias que le meten. Tal vez Kick-Ass, personaje, me interesara un poco, pero enseguida la película tira por una manida trama mafiosoide policiaca de pacotilla que no sólo me desconectó, sino que me sacó completamente de la cinta.

Aparecen por ahí un expolicia y su hija psicópata cuya primera aparición es sencillamente delirante, lo mejor de la película. Sin embargo, como pasa en el resto de Kick-Ass, más allá de la presentación de los personajes, el resto -su fondo, su desarrollo, su interés- es nulo.

Ni el Big Daddy de Nicolas Cage ni su hija aportan nada más a la cinta que su peculiaridad psicopático friky por las armas. Lo demás, una cutre venganza de todo a cien con unos mafiosos de pacotilla que desde el principio sabes cómo va a acabar. Kick-Ass casi desaparece de la película entre ese maremagnum de personajes estereotipados y aburridos.

Al cabo, Kick-Ass deja la puerta abierta a una secuela, que desde luego, yo veré desde la cama en una de esas noches de insomnio.

Tráiler espectacular de 'La Mansión de Lorena'.

2010-06-01T19:58:00.004+01:00

Los chicos de Fusión Arte Audiovisual están preparado un cortometraje de Terror que tiene una pinta estupenda. Rodada en un viejo caserón abandonado en Las Palmas nos hará estremecer contando la historia de la enigmática Lorena. De momento nos ha llegado un tráiler promocional que no tiene desperdicio.

Así se presenta 'La Mansión de Lorena':

Cuanto más lo veo más me engancha. Esa ambientación perfecta para un cuento de Terror, los trucos de cámara, esa actriz que me pone los pelos de punta como si corriera con ella en su huída desesperada... No sé cómo lo hacen, pero me muero de ganas de ver el corto terminado y cuanto antes proponerles realizar el booktráiler de alguna de mis novelas. Como quede la mitad de bien que éste...

Estoy verdaderamente enamorado de este Tráiler. Así que, Fusión Arte Audiovisual y 'La Mansión de Lorena', desde este blog os seguiremos la pista. Recomendación segura.

Críticas: Legión. Jodé qué mala.

2010-05-23T15:13:00.004+01:00

Dios se ha cabreado y manda unos ángeles a darnos por culo. Entonces otro, venido de tapadillo, se agencia un arsenal entero de pipas y metralletas y por sus santas no sé qué, qué pelotas no tiene, se ofrece primer para defendernos.

O sea, que un ángel, se rebela contra el cielo, y con cuatro pistolas y tres garrulos como compañeros, va a salvar el mundo.

O sea, insisto, que Dios, que todo lo puede, manda a una pandilla de zombis subnormales y a un pavo ridículo que dice ser un ángel para matar al nuevo mesías antes de que nazca.

Ha quedado claro, supongo, que Legión es tan mala que roza, no, profundiza en lo absurdo. Porque si al menos esta trama imbécil estuviera bien contada, vale, pero no, es que lo que Legion nos ofrece es un delirio de grandeza de proporciones, eso sí, apocalípticas, un refrito de Terminator que bordea el plagio descarado en su mayor parte, y una aburridísima mierda épica de cuatro tipos en un bar de mala muerte liandose a tiros, con balas de plomo, nada de otro mundo, contra ángeles, zombies y el respeto al espectador.

Legión no sólo es pesada, es que la mayor parte del tiempo se recubre de una atmósfera pseudotrascendente, abusando de un Paul Bettany en plan intenso, que ni él se cree la película, y desarrollando un argumento de medio folio que se estira como un chicle cuando desde el minuto diez ya está todo más que contado.

Escenas de Terror no busques ninguna en Legión, como mucho la primera vieja poseída, porque al ser al principio sorprende, después, un carrusel de zombis inoperantes hasta que a Dios se le inflan los cojones y manda a su bateador estrella, Gabriel, a terminar el trabajo.

Dicho trabajo consiste en matar a la madre de un niño que está por nacer y que cuando lo haga será la única esperanza de la Humanidad. ¿Os suena? Hasta el ángel bueno cae del cielo en pelotas en mitad de un callejón de Los Ángeles. Que por qué Dios querría matar a la esperanza de la Humanidad tendrás que ver Legion para averiguarlo.

Ángeles, zombies, plagas, tormentas de arena... Todo para matar a una piba encerrada en un bareto del desierto. ¿Cuál es plan de Michael? Resistir abatiendo bichos a tiros hasta que el niño nazca, alucinante. una hora de un pavo, que resulta ser un ángel, pegando tiros a una serie de zombies desde las ventanas de un bar. Listo. Y al final, una pelea inverosímil entre los dos ángeles, en dos tiempos, que por supuesto acaba como era de preveer, dando risa.

Legión es horrible, termina como empieza, en mitad de una penosa sucesión de sin sentidos y robando todo el plano final a Terminator. Encima, deja una frase:

Crean en Dios.

Críticas: Prince of Persia, Las Arenas del Tiempo.

2010-05-23T11:35:00.005+01:00

Imagináos la pantalla de cine divida en cuatro partes iguales, tapad por completo la inferior izquierda con la cabeza del único cabronazo de dos metros que no mira si se sienta delante de alguien. Bien, de los otros tres cuadrantes, os comentaré mi opinión sobre Prince of Persia, Las Arenas del Tiempo.

Para empezar, Prince of Persia es un coñazo, es decir, aburre hasta las ovejas con un guión hilarante y previsible desde el primer minuto empeñado en disfrazarse de misteriosa trama de conspiraciones e intrigas. Pon a un lado la divertida relación -al principio, que luego ya cansa- entre el Príncipe Dastan (Jake Gyllenhaal) y la Princesa Tamina (Gemma Arterton) junto con las escenas acrobáticas y emocionantes por las que pagaste la entrada, y los otros cien minutos -la peli dura dos horillas, ná más- son un tremendo blabla con Alfred Molina intentando hacer gracia.

Ya no es que sea un película de aventuras rutinaria y típica, es que entre idas para un lado, venidas para otro, huidas, escapadas, secuestros y encima repetir una y mil veces las mismas frases, explicar cien veces los poderes de la daga y el maquiavelísimo plan del villano, Prince of Persia parece una espiral que gira y gira para siempre volver al mismo sitio.

La manera en que Dastan va haciendo averiguaciones es sólo un poquito menos ridícula, por casual y afortunada, que cuando su hermano, sin todavía ser rey, no lo olvidemos, le "regala" por sus narices a la princesa Tamina.

Sabemos que las adaptaciones de videojuegos a menudo deben cargar el lastre de que su antecedente sea lo suficientemente bueno y popular que para superarlo necesite una tremenda dosis de creatividad y sobretodo dinero. Bien, se suponía que Prince of Persia iba a tener de ambas sobradamente, pero al parecer se les ha ido el presupuesto en decorados y en pagarle el gimnasio a Gyllenhaal y el betún cantoso para la piel a Arterton y se les ha olvidado pagar a un par de guionistas con buenas luces.

Cuando Prince of Persia intenta parecerse al videojuego de Ubisoft no sólo lo borda sino que además hace que adores a ese tipo. El Dastan de Gyllenhaal trepa por las paredes, corretea por los muros, salta de tejado en tejado y no se deja ninguna de las piruetas que los amantes del juego queríamos ver en pantalla. Son grandes momentos de acción y emoción pero por desgracia estos guiños al Prince of Persia de PlayStation se quedan en apenas pildoritas muy repartidas y diseminadas a lo largo de la eterna y sosa película.

Personajes irrelevantes hay unos cuantos, como cualquiera de los dos hermanos, en especial el que ni es rey ni pilla novia ni invade castillos ni nada de nada, o como el lanzador de cuchillos que bueno, vale, aporta dos cositas, que podrían haberse hecho de cualquier otra manera. Pero la palma en cuanto a estupidez se la lleva Alfred Molina, el folla avestruces, cargando su papel de chistes fuera de contexto y gilipolleces varias como "contrapeso humorístico" de una película que, por lo general da pena.

El trabajo de diseño y producción es excelente, como no podía ser menos contando con un presupuesto sideral, pero en lugar de acercarse más al hilo argumental de los videojuegos, más simple, cierto, pero más emocionante, coherente y propicio para la acción, han querido inventarse, otra vez, una película familiar, para todos los públicos -obsérvese que no se ve una gota de sangre ni de refilón-, mandando al carajo la esencia del Prince of Persia en aras de una recaudación mayor.

Ya pasó con Alicia, volverá a pasar. Para disfrutar de un Prince of Persia emocionante y divertido, en cuanto acabe esta crítica conectaré mi PlayStation.

Críticas: Robin Hood, reencuentro con la leyenda, y con el cine.

2010-05-16T12:37:00.000+01:00

Ha habido un momento durante la proyección de 'Robin Hood' que no podía creerme lo que estaba viendo. Un momento no, más de uno, en que meneaba la cabeza y me tapaba la boca abierta con las manos. Primero un sablazo de épica descomunal, con esa primera batalla. Más tarde un subidón de adrenalina con las flechas surcando el bosque hacia Mark Strong. Después, un desborde sensorial, un viaje a la Edad Media como si la estuviera viviendo. Poco a poco, una lección como pocas de Cate Blanchett, qué pedazo de actriz. A lo largo del film, un Russell Crowe inmenso que se aleja de Máximo mucho más de lo que parece a simple vista. A continuación, la emoción de las preciosísimas escenas intimistas que colorean Nottingham como nunca. Cerca del final, otro espectáculo sin palabras con la batalla en la playa. Y para terminar, Robin Hood, el de siempre, y su bosque de forajidos.

Hacía mucho, mucho tiempo que no disfrutaba tanto en una sala de cine. Que no me emocionaba, reía, estremecía y saltaba al mismo tiempo. El Robin Hood de Ridley Scott me deja, en primer lugar, el conocido sabor de boca de que este tipo sabe cómo rodar batallas. Nunca antes las flechas habían dolido tanto como en esta película. En segundo lugar, que Russell Crowe, comprometido con un papel y con un proyecto, da lo mejor de sí mismo. Y por último, que el arquero de Sherwood nunca había estado tan vivo.

Robin Hood no es Gladiator, pese a que por momentos el fantasma del peliculón de la pareja Scott-Crowe sobrevuela imágenes, escenas y retazos de la trama. Para serlo le faltaría una historia más profunda, un drama más desgarrador y sobretodo, Joaquín Phoenix, pero sin embargo Robin Hood tiene un componente de aventura, de diversión, que no tenía aquella.

Russell Crowe no borda, ES Robin Hood, un papel hecho a medida para su tono más sobrio e intimista, pero se permite el lujo de reír y bromear en algunos momentos brillantes con Lady Marian y sus compañeros, tal vez lo más flojo de la cinta. Cate Blanchet, por su parte, se come a Crowe, al excelente diseño de producción y a cualquier otro aspecto de Robin Hood. Está, sencillamente, espléndida.

Esperaba muchísimo menos de Robin Hood. Estaba dispuesto a ver batallas espectaculares, épica en dosis irregulares y aventuras entre los bosques. Pero todas mis expectativas ha quedado brutalmente pisoteadas, Robin Hood es mucho más, es un crudísimo retrato de una época, de unas leyes y de una forma de vida que te absorve sin dejarte un respiro. Enclavada en los años que transcurrieron entre la muerte de Ricardo I y la elaboración de la Carta Magna, en 1215, esta película termina donde otras empiezan, en los orígenes de leyenda, una leyenda que nunca tuvo tantísima carga histórica como en este caso.

Épica, sí. Grandilocuencia en los combates, en el espíritu guerrero, en los valores de libertad y justicia que ya trillaba Braveheart. Pero todo llevado a un terreno tan real, tan palpable, que convierte a Robin Hood en la única versión de la leyenda que no juega con el poder del mito.

Es un nuevo Robin Hood, un arquero al que la vida zarandea, un tipo llevado a tomar decisiones que no le corresponden, un hombre normal, con debilidades comunes, un buscavidas por obligación que acabará convirtiéndose en la esperanza de todo un pueblo. Y todo lo narra Scott con una sencillez que oculta un trabajo de guión, de construcción de decorados, de apoyo musical, y de una planificación tanto de la acción como de la intimidad que bordean sus mejores trabajos.

Este Robin Hood de Ridley Scott no es sólo el más creíble y menos "legendario" que he visto nunca, capta perfectamente el espíritu de un arquero forajido, del peligro de los bosques, de la corrupción del poder, de la ruindad de la guerra, del pueblo hambriento. Es, para mí, la mejor versión del personaje que jamás haya visto.

La película es larga, casi dos horas y media, pero hubiera pagado doble entrada con tal de que no terminara. Uf, sigo impactado.

Críticas: Los Extraños.

2010-05-15T21:51:00.004+01:00

He leído muy malas críticas sobre esta película desde su estreno, recuerdo que cuando la ví me pareció razonablemente buena, pero tanto machaque me hizo querer volverla a ver por si yo estaba equivocado. Pues bien, ayer volví a ver Los Extraños y me reafirmo en que su primera mitad es terroríficamente interesante.

Para empezar debo decir que Los Extraños presenta en su guión más de una estupidez y muchas situaciones que rayan lo incoherente. Seguramente, hablando de otra película, diría que su guión está trufado de estupideces, sin embargo, con Los Extraños me pasa que por ese ritmo inicial, por el buen trabajo de los actores o por la empatía que me produce su planteamiento -cercano al tipo de Terror que persigo en mis novelas- le tengo una simpatía especial que me hace asumir sin grandes problemas sus fallos.

Los Extraños cuenta la terrible noche que pasa una pareja en la vieja residencia de verano de la familia del chico, perdida en mitad de un pueblo por el que no pasa ni el tiempo. Una fría noche en la que de pronto reciben la visita de una chica empeñada en entrar. Ella, y su familia...

La primerísima parte de Los Extraños es un coñazo de tomo y lomo, ese ñoño cabreo de la pareja que no nos importa nada y que sólo sirve como excusa para mostrar su fragilidad emocional en ese momento y para justificar que el chico se marche dejando a Liv Tyler sola.

La segunda parte, más o menos hasta la mitad, es a mi gusto perfecta. La tensión se puede palpar, el miedo se nos contagia con una sutileza magistral, nos ponemos en la piel de esa chica y la manera en que el director consigue rodar el Terror descarnado sin ruido ni golpes ni efectos de ordenador es sublime.

Luego Los Extraños se manifiestan, con careta o sin ella siempre digo que el Terror es Terror cuando no lo vemos, que una vez aparece el hombre del saco siempre da menos miedo que cuando sólo lo imaginábamos. Eso me pasa con muchas películas de ciencia ficción o de Terror a lo Señales, Monstruoso o Jeepers Creepers.

Me apasiona el preámbulo del pánico, una vez la película se convierte en una persecución normal y corriente, en una cacería más del montón, Los Extraños pierde gran parte de su interés, se convierte en un epílogo largo y lento y entonces es más difícil salvar las "casualidades" y los trucos de su guión. Está muy bien crear misterio entorno al origen del mal, pero en este caso, estos sosísimos villanos sin motivación aparente, tampoco le dan a la película la fuerza que deberían.

Sin embargo, toda esa presentación inicial, toda esa tensa soledad y la sensación tan vívida de peligro que consigue transmitir, hace que no pueda unirme a los que critican a Los Extraños por sosa o por lento. A mí, esa primera mitad, al menos, me da miedo.

Especial Elm St: Pesadilla en Elm Street 5: The Dream Child.

2010-05-15T20:52:00.004+01:00

Tiene un problema Pesadilla en Elm Street 5: The Dream Child y es que a pesar de haber encontrado el camino a seguir a partir de la tercera entrega, ni la cuarta ni ésta que nos ocupa aportan absolutamente nada a la saga que mantenga mínimamente el interés.

Pesadilla en Elm Street 5: The Dream Child experimenta con un refrito de La Semilla de Diablo que no termina de saber a nada, ya que la tendencia de la saga la obliga a mantenerse fiel al esquema de ir pelando como patatas a un niñato tras otro sin posibilidad alguna de ir profundizando o alimentando la trama.

Nos presenta los orígenes de Freddy, su concepción en un bukake salvaje de una monja en un sanatorio, nos ofrece un retorcido gore de un parto inconcedible y a partir de ahí volvemos a trocear adolescentes convocados en pesadillas, ésta vez por los sueños del ambrión que Alice, superviviente de la tercera, lleva en su vientre.

Pesadilla en Elm Street 5: The Dream Child no evita sus buenas dosis de Terror. Es una película más oscura que otras de la saga, especialmente en todas esas escenas que suceden en el sanatorio, sin embargo sus protagonistas no son ni mínimamente interesantes, no nos dice nada ninguno, son más carne de cañón que nunca porque el verdadero protagonismo en la película lo tienen Alice, el propio Freddy y jodido niño Jacob.

En resumen, un paso más de esta saga hacia el tedio, que debió dejar muy claro a sus responsables que necistaban cambiar el rumbo.

Especial Elm St: Pesadilla en Elm Street 4: The Dream Master.

2010-05-07T20:45:00.006+01:00

El éxito de la tercera parte hizo olvidar el fiasco de la segunda y revitalizó una saga que hasta la llegada de Pesadilla en Elm Street 4: The Dream Master no parecía tener muy claro por dónde tirar. Cada secuela definía como le salía de ahí al guionista de turno tanto los orígenes como los poderes y las formas de matar de Freddy Krueger, pero afortunadamente Robert Shaye y su cuadrilla decidieron mantener la línea de Los Guerreros del Sueño tanto argumental como filosóficamente, convirtiendo a Freddy en el verdadero protagonista, dándole un buen porrón de minutos, ahondando en su personalidad y manteniendo la línea -más o menos- de que lo que pasa en el sueño en el sueño se queda.

Así, Pesadilla en Elm Street 4: The Dream Master contínua el argumento de la tercera parte, Freddy ha sido vencido pero regresa a tiempo para dar matarile a los tres niñatos que se le escaparon la última vez. Tirando del estúpido recurso que se habían sacado de la manga dos años antes, de que Kirsten podía invocar sus colegas en sus sueños y hacerles partícipes de ellos. De manera que antes de que Fred se la ventile meterá en sus pesadillas a su amiga Alice, poniéndole en bandeja al Maestro de los Sueños una nueva hornada de pipiolos.

Pesadilla en Elm Street 4: The Dream Master fue dirigida por Renny Harlin, director muy inclinado hacia la acción (La Jungla de Cristal 2, Máximo Riesgo, Deep Blue Sea, entre otras) y de hecho es una de las entregas más dinámicas y entretenidas de toda la saga. Las escenas de Terror son verdaderamente potentes, con algunas muertes míticas, como la del beso de tornillo o la chica cucaracha. Además, cuenta con un guión más redondo que otras entregas, dibujando un Krueger especialmente chulesco y vacilón, con contestaciones brillantes y algunas perlas bien mordaces.

Siendo probablemente la película de Elm Street que más veces han pasado por la tele, no deja de ser curioso cómo Pesadilla en Elm Street 4: The Dream Master no pierde vitalidad. Desde mi punto de vista es tan redonda que completa lo mejor de las entregas anteriores y sienta una base más definida de lo que es Freddy Krueger. Casi diría que entre dudas y bamboleos los responsables de la saga tardaron cuatro películas en decidir lo que querían hacer con su mítico personaje.

Pesadilla en Elm Street 4: The Dream Master, como digo, limita a Freddy una vez más al mundo de los sueños, nada de posesiones ni de agarrarle fuerte para sacarle a la realidad, sin embargo alguna vez se le escapa un exceso de fliparlo que te cagas, me refiero a la muerte de Joey, a ver cómo me explican que acabe dentro de una cama de agua sin más ni más.

Es un ejemplo de mezclar churras con merinas, es decir, Freddy mata en sueños, en la realidad los chicos deben morir por algo relacionado con el sueño pero hasta cierto punto, ¿imaginan que cuando encontraran a Debbie tuviera de verdad cuerpo de cucaracha?

La parida que da sentido a esta cuarta entrega tampoco me gusta. ¿Qué es eso de pasarse poderes? Me parece una chorrada para cuadrar un golpe de efecto que dé sentido al final de la película, pero opino que podían habérselo currado un poco más sin meter ese rollo paranormal de los poderes.

Como visión general, sólo por lo horroroso de las pesadillas -realmente te lo hace sentir mal el tío Harlin- y por esa pizza de albóndigas, Pesadilla en Elm Street 4: The Dream Master merece ser tenida en cuenta como una de las más terroríficas de la saga, pero sin embargo no puedo obviar que no aporta nada nuevo al tema sino que se limita a repetir esquemas anteriores. Una pena.

Especial Elm St: Pesadilla en Elm Street 3: Guerreros del Sueño.

2010-05-05T16:28:00.003+01:00

Creo sinceramente que esta tercera parte de la saga es una de las mejores, al menos desde el punto de vista argumental y de sentido común. También es una de las que menos he visto, supongo que porque en la tele sólo ponen o la primera o la cuarta, de Renny Harlin, que ya les vale, y a pesar de todo tengo recuerdos desgajados de las buenas escenas que contiene.

En Pesadilla en Elm Street 3: Guerreros del Sueño vuelve Wes Craven como parte del equipo de guionistas y, ojo, junto a él Frank Darabont (La Niebla, La Milla Verde), que no es cualquier mindundi, y la dirige Chuck Russell (La Máscara, Eraser). Es una película más adulta, más Terror puro que adolescente, a pesar de que una vez más los objetivos de Freddy Krueger son bien jovencitos, esta vez internos de un hospital psiquiátrico.

Pesadilla en Elm Street 3: Guerreros del Sueño profundiza con atención en cada uno de los aspectos del maravilloso personaje de las cuchillas: su origen, aportando el magnético personaje de la monja, su asesinato, con el regreso de John Saxon y el descubrimiento final, y sobretodo sus poderes, mediante una trama mucho más sólida y desarrollada que en las entregas anteriores, delimitando mucho mejor lo que Freddy puede y no puede hacer.

Así, vuelve a atormentar a los jóvenes en las pesadillas, sin salir de ellas al mundo real y sin ser capaz de manipular objetos reales de una manera, al menos, tan evidente como en las dos películas previas.

Freddy mata en los sueños de los chiquillos pero sus efectos en el mundo real son meras consecuencias de sus actos en esas pesadillas. Así, si convierte a un chaval en marioneta utilizando sus venas como cuerdas, en la vida real no vemos esas venas salir de sus brazos y pies, están dentro del sueño del muchacho, le vemos moverse como marioneta pero no sabemos por qué. En las dos primeras pelis Freddy manipulaba a la vez el sueño y de paso la realidad, lo cual era una soberana gilipollada.

Esto es más coherente. Los chicos sueñan que se queman pero en la vida real mueren por el shock, no salen en llamas. Si sueñan que les ahorcan mueren asfixiados pero no se mueve sola una sábana.

En definitiva, Pesadilla en Elm Street 3: Guerreros del Sueño me ofrece, por lo menos a mí, un punto menos de disputa a nivel de guión y argumento y se nota la mano en ello de gente con más luces que en pelis anteriores.

Ahora Nancy se ha convertido en psicquiatra y trata de ayudar a un grupo de jovenes ingresados en un sanatorio, cada uno con sus fobias -perfecto retrato de las angustias y terrores de la juventud- pero todos con un obsesivo miedo a dormir y una pesadilla recurrente y común. Tiene mucho más sentido que todo lo anterior. En los sueños, Freddy aprovechará sus fobias para convertirlas en pesadillas y sólo el entender el poder del sueño les permitirá hacerle frente.

En esta tercera entrega encontramos un retrato mucho más social, real, del mundo de los jóvenes aterrados por el miedo a soñar y algunas de las mejores y más espeluznantes muertes de toda la saga. Toda la parte final, en cambio, resulta un poco más cutre, con ese esqueleto peleón pero tampoco deja de tener cierto sentido, y compone un entrañable guiño al estilo Harryhausen.

Probablemente toda la saga pague las culpas de un argumento demasiado empujado hacia el absurdismo teen cuando de ese material podía haberse sacado una serie de películas de Terror brutal mucho más solventes. Por eso, defiendo que la tercera parte, Pesadilla en Elm Street 3: Guerreros del Sueño, es la más interesante y terrorífica de las que he analizado hasta ahora.

Vamos con la 4.

Especial Elm St: Pesadilla en Elm Street 2: La Venganza de Freddy.

2010-05-03T21:39:00.005+01:00

Un año después del éxito inesperado de Pesadilla en Elm Street los estudios no dudaron en aprovechar el tirón del gran personaje creado por Wes Craven y, aunque cambiando al director por Jack Sholder, estrenaron la secuela cosechando, sorprendentemente, un éxito más bien tibio y moderado.

Lo cierto es que Pesadilla en Elm Street 2: La Venganza de Freddy es un descalabro de tomo y lomo. Concebida desde un punto de vista más sobrio, más "tenso" que la primera y despreciando por completo las posibilidades cómicas de Freddy Krueger, esta continuación supone, además, una ruptura argumental muy curiosa. Y es que pocas veces una secuela había tenido tantos puntos discordantes con su predecesora.

Para empezar, en Pesadilla en Elm Street 2: La Venganza de Freddy el protagonista es un chico -primera y única vez en toda la saga-, Jesse, un joven silencioso y solitario que se acaba de mudar a la misma casa de la calle Elm en la que vivía una tal Nancy Thompson ¿os suena?

El tremendo giro argumental al que me refería es que en esta ocasión Freddy no atacará a Jesse en sus sueños para divertirse o vengarse, sino para poseer su cuerpo y poder continuar sus asesinatos. Vamos, que de una película a la otra pasamos de un ser fantástico que habita en las pesadillas a una historia de espíritus y posesiones malignas más cercana a El Exorcista que a la primera Pesadilla.

Este nuevo rumbo, que de entrada parece más coherente que la idea original, ya que "habitando" un cuerpo real podemos explicar las atroces actividades de Freddy en el reino de los vivos, se desmorona más rápido todavía que cualquier otra teoría desde el momento en que queremos darle realidad al mito, le damos un cuerpo humano, pero sigue siendo capaz de tener poderes sobrenaturales. Con lo cual, el cuerpo "real" de Jesse aparece y desaparece, se prende en llamas y no le pasa nada, le brota un Freddy desde el estómago y no muere... Ya no hace falta estar dormido para que Freddy te busque, más de una vez queda a la vista de todos, no sé, es otra cosa muy diferente, mucho menos especial.

En fin, Pesadilla en Elm Street 2: La Venganza de Freddy resulta al final más caótica en su búsqueda de la racionalidad de lo que era la primera como mera tontería fantástica. Para colmo, mientras Jesse se decide si dejar o no entrar en su cuerpo a Freddy, mientras éste se mete o no se mete en el cuerpo del chaval, se nos escapan minutos irrelevantes de película de manera que resulta ser la entrega de la saga con menos muertes, con menos risas, con menos sustos.

Las escenas de Terror no están mal rodadas, de hecho, casi producen más miedo que la mayoría de las de la primera, sin embargo lo que prima en Pesadilla en Elm Street 2: La Venganza de Freddy es un espíritu teen mucho más acusado, una peligrosa inclinación hacia las comedias gamberras adolescentes tan ochenteras en las que no puede faltar la fiesta nocturna de bikinis y hormonas encendidas.

No da para mucho más. Pesadilla en Elm Street 2: La Venganza de Freddy no es de las peores pero porque las hay malas con avaricia entre las continuaciones posteriores, pero desde luego es una secuela que muy pocos, incluso aficionados, recuerdan. Por algo será.

Especial Elm St: Pesadilla en Elm Street (1984).

2010-05-02T15:11:00.009+01:00

Hagas lo que hagas, no te duermas.

La pantalla se convierte en un rectángulo y unas manos fuertes, calludas, unas mangas rojas recolectan objetos de un taller sucio y mugriento. Un guante viejo, unos cuchillos, trozos de metal, lima, soplete... El guante, el arma de matar más famosa del cine de Terror, toma su forma. Así nace Freddy Krueger , el cabronazo más divertido de nuestras pesadillas.

Pesadilla en Elm Street se estrenó poco después de la tercera parte de Halloween y el mismo año que la cuarta de Viernes 13, vamos, que el Terror adolescente estaba en su apogeo, el momento ideal para el nacimiento de este icono del género, porque, aunque reconozcamos la cutreza de algunas de sus actuaciones y su decadencia en cada secuela, el gran acierto de Wes Craven fue mezclar el Terror Teen con el humor gamberro en la personificación de Freddy Krueger.

Cada secuela de Pesadilla en Elm Street ha ido girando como una peonza la biografía, el asesinato y los poderes de Fred Kruegger, así que para dar forma a este especial, y no romperme la cabeza con cada incoherencia, voy a ceñirme a lo que cada película cuenta.

La primera entrega de Pesadilla en Elm Street narra lo que parece ser la primera aparición de Freddy Krueger después de muerto, lo supongo porque ni el tato sabe de él ni de lo que pasa en sus pesadillas, así que suponemos que el tiempo que ha transcurrido desde su asesinato en la caldera lo ha pasado haciendo sudokus.

Cuando decide aparecer, lo hace para cobrarse venganza, para aniquilar en sus pesadillas a los hijos de los que lo llevaron a la muerte. La primera en caer es Tina, pero la verdadera protagonista de la película es su mejor amiga, Nancy Thompson, que por más que intenta explicar que el asesino no ha sido el novio de Tina sino un ser invisible que sólo aparece en sueños y es capaz de herir y hasta matar, por alguna razón no la creen.

Sólo cuando vayan muriendo un pijo tras otro alguien escuchará a Nancy pronunciar el nombre de Freddy Krueger y caeran en la cuenta.

En cada secuela se da una explicación conveniente a la manera de destruír o matar a Krueger, en ésta nos dicen que si se le agarra fuerte se le puede sacar del sueño al despertar, así que Nancy aprovecha sus horas atenta al Bricomanía y se lo monta a lo Sólo en Casa para derrotarle. Al final se nos da a entender que si se deja de creer en él pierde sus poderes -lo cuál tampoco tiene ningún sentido-, pero claro, ¿alguno deja de creer en él?

No hay mucho más que analizar de esta primera Pesadilla en Elm Street, una película que me atrevo a calificar de más seria que algunas de sus secuelas, una cinta que buscaba verdaderamente el Terror, causar miedo, y no recurría tan claramente al cachondeo de Fred como sus continuaciones explotarían más tarde. El personaje de Krueger realmente es malvado, juega con sus víctimas pero hace menos el payaso, las escenas de Terror están perfectamente rodadas, utilizando algunos tópicos acertados e iniciando otros tics que se convertirían en clásicos del género -como ese novio de la chica colándose por la ventana, que Wes Craven repetiría casi dos décadas después en Scream.

Pesadilla en Elm Street adolece y mucho de un problema muy similar al primer Halloween, la falta de ritmo. Craven olvida que la transición entre Freddy persiguiendo niñatos y los niñatos y sus padres investigando no debe ser tan brusca, tan radical. Los momentos de Terror ponen los pelos de punta, las apariciones de Freddy, hasta cuando va disfrazado, son escalofriantes, pero a cambio, las secuencias en que los personajes hablan, deliberan, pecan de un exceso de profundidad, son lentas, son parsimoniosas, un ritmo pausado que hoy en día queda desfasado.

Y de repente aparece esa garra en el agua de la bañera ¡genial! Mis dos escenas favoritas de Terror suceden en un baño, la ducha de Psicosis y ésta.

Craven sabe dibujar el miedo a a quedarnos dormidos, busca un roce con el Terror psicológico, muchas veces a través de esos espacios lentos y del empleo de esa música ochentera tan incómoda, nos hace ver que si el Mal ataca en sueños ninguno estamos libre de dormir. Y como cualquiera puede ser víctima de Freddy Kruegger, conecta con nosotros mucho más que un Michael Myers o un Jason Voorhes porque todos vamos a tener sueño, todos podemos sufrir pesadillas. Otro acierto de Wes Craven es ponernos a todos, sin excepción, en el papel de víctima.

Sin embargo Pesadilla en Elm Street juega en un terreno peligroso, nos pretende crear un mundo alternativo en que los sueños pisan, por así decirlo, una parte de la vida real, sin embargo es demasiado fácil liarse, demasiado sencillo reventarlo todo con incoherencias, porque si Freddy hiere a Nancy en el brazo después de rajar una almohada o romper un cristal, si Nancy se trae de su pesadilla la herida también deberían seguir destrozados almohada y cristal.

Demasiado a menudo el asesino que ataca en las pesadillas se convierte en el Hombre Invisible, como cuando Rod muere en su celda, la sábana que le ahorca es real, no está sólo en su sueño, alguien ha de moverla en el mundo real y para colmo Rod está despierto mientras le ahoga. Es ficción y es el mundo de Freddy, hay que creerlo, pero Pesadilla en Elm Street llega a un punto que para rizar el rizo debe caer en la incoherencia, y con ella en el absurdo.

No es lo mismo que Johnny Depp, muera soñando con que un tipo le raja, a que en el mundo real eso también se produzca, sin embargo Johnny Depp se convierte en un géiser de sangre y su cuerpo desaparece dentro de la cama. Es Pesadilla en Elm Street y me gusta pero...

Heather Langenkamp corriendo por pasillos oscuros, por callejones en bruma, escenarios cargados de puro Terror, sótanos, túneles, la escalera de casa se convierte en chicle pegajoso... en el sótano de Nancy todavía guardan sus cuchillas.

Mezcla de slasher y fantástico, esas lagunas de guión son las que seis o siete secuelas, ya perdimos la cuenta, han intentado explotar y explicar a partes iguales. Yo, por mi parte, me rindo. Disfruto de Pesadilla en Elm Street cada vez que puedo para recordar que la imaginación, el horror y las pesadillas van de la mano.

Pesadilla en Elm Street nos deja una idea nunca antes vista, un personaje inmortal, en todos los sentidos, y una canción...

Críticas: 'Alicia en el País de las Maravillas'

2010-04-29T21:19:00.004+01:00

Bueno, no me he querido ensañar, no he querido hacer esta crítica en caliente, y para dar una idea de mi opinión sobre esta película diré que se me ha hecho el jueves y acabo de acordarme de ella. Una semana, casi, después de verla, me cuesta recordar algún punto bueno que resaltar de Alicia en el País de las Maravillas -supongo que tardaré mucho más en sacar de mis pesadillas la desgracia de la Gloridanza-, pero durante un ratito me gustó, lo explico.

Las tremendas ganas que tenía de ver Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton, que no habían hecho más que aumentar desde que me enteré de su existencia cuando apenas era un proyecto, se habían visto desinfladas en las últimas semanas por la avalancha de críticas pésimas y de comentarios decepcionantes entorno a ella. Puta Disney, pensé, y empecé a resignarme al fiasco antes de verla.

Empecé a atragantarme con ese pestiño victoriano inicial, que no me importaba una carajo, pero cuando empezaba a aburrirme, la rubia más sosa del cine reciente se colaba por accidente por el hueco de una madriguera. Ahí empezaba la película que quería ver y a partir de ese instante y durante los minutos siguientes en mi cabeza empezaba a tomar forma la frase mierda, voy a ser el único que la defienda.

Me es muy difícil determinar en qué momento esa sensación de ey, esto parece que mola, se convirtió en un ¿le queda mucho? No es que el entusiasmo inesperado desapareciera, es que se diluyó, lentamente, en una balsa de aceite, en un lago tranquilo, no, tranquiiiilo, hermosísimo y gloricioooooso.

La Reina Blanca es hermosa, es pava pavísima, es delicada, es boba... Terminé Alicia en el País de las Maravillas pensando que la película entera estaba contagiada del espíritu de la estúpida Reina Blanca.

Porque Alicia en el País de las Maravillas es visualmente hermosa, también, redundantemente hermosa, pero a la vez, argumental y actoralmente, es pava pavísima, también, es floja, es superficial, es... todo lo contrario al Burton que por alguna razón sigo defendiendo a pesar de que desde Sleepy Hollow no le reconozco.

El Burton más aséptico nunca imaginable firma una cinta que sólo en algunos momentos, en algunos diseños y en algunos acordes de Elfman recuerda al Burton que muchos adoramos, el resto, es un, no coñazo, un sopor, un quedarse a medias en todo, que no sé si atribuir a la presión de Disney por conseguir una calificación para todos los públicos, desde los 3 meses a los 80 años, o a que Tim Burton, definitivamente, chochea.

Y es que no concibo una Alicia en el País de las Maravillas que nunca termine de dar risa, nunca termine de dar emoción, nunca termine de dar miedo, nunca termine de dar más que por culo, porque en realidad, nunca termina nada.

Rodada como si le diera miedo tocarla, interpretada así, por encima, como si hubieran grabado los ensayos, Alicia en el País de las Maravillas ni siquiera saca todo el partido posible al 3D -sólo lo luce en dos o tres escenas-, la Reina Roja y su cabezón dejan de sorprender enseguida, su corte de subnormales sólo dan vergüenza ajena, la Reina Blanca da tanto asco que es para alargar la mano -aprovechando el 3D- y darle una hostia como un pan para que espabile. El gato es como si no estuviera, la oruga ¿saben que sale la oruga?, el conejo es meramente accesorio y así podríamos continuar.

Aborto de Narnias y Hooks, Lo mejor de Alicia en el País de las Maravillas es la liebre, sin duda, y lo peor, dentro de la decepción general y además de un despropósito de guión y de un epílogo patético, a lo Mago de Oz pero en chanante, es hundir, ridiculizar, no sólo a Johnny Depp, al que a estas alturas hacer el idiota se la suda, si no a ese personaje mítico e icónico que es el Sombrerero Loco. Primero, convirtiéndolo en un personaje aburrido, sin gracia ni locura ni nada, y después, para rematarlo, obligándole a bailar el chiqui chiqui en una escena tan penosa que me hizo pensar que estaba viendo El Gato, de Mike Myers. Y no, para romperme un ídolo en la cara -y en 3D- no pago 10 euracos.

Una pena.

Críticas. 'Psicosis'. Obra maestra, y punto.

2010-04-27T18:50:00.002+01:00

Pamplinas. Psicosis es, por mucho más que por su calidad fílmica, una obra maestra.

Por el camino, nos replanteamos seriamente dejar sin pasar el pestillo del baño antes de irnos a la ducha, o pararnos a dormir en cualquier motel de carretera.

Pasar la noche, claro, es contarle a Janet Leigh unas cuantas horas más de vida de lo que Hitchcock le concede.

Pregúntense si alguna vez han visto una película más impactante que Psicosis, y si es así, recomiéndenmela. Porque Psicosis es, para mí, la mejor película de Terror de la Historia.

Críticas: Furia de Titanes

2010-04-18T17:33:00.003+01:00

Penosa. Esa es la impresión que me ha quedado después de ver Furia de Titanes. Penosa y estúpida, una película mal hecha, mal pensada, mal escrita y muy mal actuada, por no hablar del doblaje entre pomposo y caricaturesco que le hemos colocado.

Darle patadas a los mitos clásicos es fácil, pero hacerlo peor que en la peli del 81 me parecía imposible. Que nadie busque el rigor mitológico en Furia de Titanes porque desde luego no lo va encontrar, lo que sí que tendrá es una sucesión de disparates, de parches, de casualidades, prodigios y maldiciones a convenir, según le cuadre a un guionista malo, malo, malo.

No sólo hablo de lo mal engarzadas que están las leyendas en este Furia de Titanes, esa manera chapucera de colar un elemento famoso tras otro aunque quede como el culo de puro forzado -ya no pido rigor literal a los mitos clásicos pero por lo menos un poco de coherencia dentro de propio universo que la película plantea-, me refiero también a esos diálogos impostados, frases cortas, sentenciantes, tópicos descarados, conversaciones que causan vergüenza ajena.

Furia de Titanes se hace, y se paga, no lo olvidemos, con la intención de mejorar al menos visualmente a la película homónima de 1981, ese prodigio del cine de aventuras que evidentemente ha envejecido con muy mal pie. Sin embargo lo que tenemos es un salto tremendo desde las joyas animadas de Ray Harryhausen hasta el rídiculo dibujo animado digital que en Furia de Titanes supone un paso atrás impensable dentro de lo que la tecnología CGI ya hoy ha avanzado.

En cuanto al argumento, cagarse en la historia es algo que ya dábamos por sentado como remake que es, pero no les costaba nada, igual que han cambiado un montón de cosas, corregir los errores más gordos de la original, como ese Kraken que pertenece a una leyenda nórdica y no pinta una mierda con los dioses griegos.

No me voy a poner pedante, el que quiera averiguar más enculadas a los clásicos que busque en la wikipedia y verá que no era tan complicado contar la misma película haciendo que todo encajara.

En Furia de Titanes las interpretaciones son excesivamente patéticas incluso dentro del denigrante entrono en que Louis Leterrier las coloca. Por un momento pensé que estaba viendo "Rasputín contra los Caballeros del Zodiaco", pero después me dí cuenta que no, que eran Zeus y su pandilla de amiguetes fetichistas -¿a qué coño llevar armadura los dioses en el Olimpo? ¿Por si les invaden?- en una reunión con el hermano al que nadie soporta, otra vez tergiversado Hades, al que da vida un desconocido Ralph Fiennes.

Sam Worthington combina en esta película lo mejor de su talento con algunos momentos risibles, a veces parece dar la talla y otras se le ve tan perdido en la estupidez y puerilidad de sus diálogos como el resto. Ya le vale a la nueva promesa con más suerte del mundo empezar a aprovechar la flor que tiene en el culo porque cuando dejen de llamarle para superproducciones y tenga que empezar a actuar quizá no tenga un ordenador que lleve a los espectadores al cine haga lo que haga.

Total, que Furia de Titanes sólo busca el efecto visual, el poder sacar al bicho que sea cuanto antes, ya toque el Pegaso cagón que huye a las primeras de cambio -supongo que para ahorrar presupuesto- o los escorpiones domesticables. Se han inventado, eso sí, unos guerreros de palo y unos murciélagos muy chulos que le salen a Hades de los sobacos cuando a Fiennes le da por ponerse el disfraz de Voldemort.

Agradezco que Furia de Titanes sea corta, araña los noventa minutos, pero más que yo lo agradece el guionista, ese niño de cinco años al que si hubieran pedido tres líneas más de diálogo hubiera sufrido un infarto.

Si vas al cine a ver una mierda y encima sales de mala lche, es muy probable que hayas visto esta Furia de Titanes.